Ressenyes perdudes de Real Estate i Buraka Som Sistema

Fa temps vaig escriure aquestes dues crítiques que adjunto a continuació per H Mag, la revista per la qual col·laboro habitualment. Espero que us agradin.


Real Estate
Days

A pesar de su influencia mezzo jangle-pop ochentero y pop de texturas desérticas, los de New Jersey tienden más a la calma y la contemplación. Escuchar sus discos siempre es un cálido placer. Sus guitarras destilan melodías que reducen el pulso y nos trasladan al limbo. Su debut editado el año 2009 ya les puso enseguida en el punto de mira de los amantes del buen sabor norteamericano, pero aunque tampoco era el nova más, sí es cierto que estos chicos mejoran referencia tras referencia. El pasado año editaron “Reality” un fantástico disco de 6 temas tras el cual llega “Days”, donde se alejan de ese sonido sedoso y etéreo a lo Ducktails y vuelven al riff jangle de sus guitarras e himnos crepusculares a la par que bailongos como “It’s Real”. Arnau Sabaté

BurakaSom Sistema
Komba

BurakaSom Sistema es pura energía. Los no familiarizados tendrán que tener en cuenta que el primer contacto no es precisamente fácil. Ritmos casi rituales, estruendosas líneas de bajo y la explosiva y exótica mezcla de detalles hacen que el suyo no sea un ritmo especialmente digerible en la primera escucha. A pesar de todo este disco es especial; aprenderán a valorarlo con el tiempo. La multitud de influencias sobre la cual se teje su música es tan amplia y bien definida que escucharlos representa un auténtico ejercicio musical. Un recorrido por los sonidos tribales del hemisferio sur en tan solo una escucha. El disco, además, rinde culto a la Komba, un ritual de baile que realizan los angolanos para despedir a los muertos. Paradojal pero cierto. Arnau Sabaté

Trembling Blue Stars

Fa dies vaig escriure aquesta crítica que em va permetre descobrir aquest grup que no està pas malament. El destí però em diu que tampoc n'hi havia per tant, ja que es separen. Abans d'escriure la crítica, però, vaig escriure això al tumblr d'A Viva Veu.

Trembling Blue Stars Fast Trains & Telegraph Wires Hay quien se empeña en no dejar morir en paz los años ochenta. Los últimos años se han caracterizado por repetidos revivals de géneros que nacieron y se hicieron grandes durante esa década. El C86 es precisamente un buen ejemplo de ello y que ha quedado descontextualizado en el tiempo, al menos para que grupos actuales sigan reivindicando esos patrones de creación ciertamente encasillados. Bobby Wratten, que es un hombre con criterio, al menos a juzgar de las bandas que han salido de su tintero, ha decido poner fin a su proyecto más exitoso desde Field Mice, el GRAN grupo de C86. Lo hace con un doble cd (Fast Trains & Telegraph Wires + el EP Cicely Tonight Volume One) y fiel al sello de sus últimas referencias, Elefant Records. El primer álbum conserva ese regusto cristalino, luminoso y oscuro a partes iguales, y el EP es algo así como un descarte de canciones más electrónicas y paisagísticas. Así da gusto pasar página.

Darkstar - North

Aquesta crítica l'he fet per la revista H. Es tracta d'un disc que imaginava diferent, sobretot tenint en compte les anteriors referències de Darkstar, que s'apropaven més a l'electrònica deconstruïda i fosca del dub o post dubsteb. Finalment l'àlbum ha resultat ser diametralment diferent al d'aquest estil britànic contemporani, tot i que l'apropa en segons quins matisos. A North, Darkstar s'han tirat més pel pop melodramàtic, sintètic, fosc i fred...



Darkstar

'North'

Me parece curiosa la sensación que producen algunos discos teniendo en cuenta la expectación que se genera a su alrededor. North es un disco que apuntaba alto para los amantes de la electrónica de vanguardia y en cambio parece que habrá satisfecho más a la franja de oyentes indies de electrónica de vanguardia que no a los más fieles seguidores de este estilo, y sobre todo del sello que lo ampara, Hyperdub: casa grande del dubstep por excelencia y regentado por el mismísimo Kode9. Darkstar han mutado en trío (James Buttery a las voces) y se han marcado el disco más pop (synth) de la historia del sello. Más oscuro y espeso de lo que parece en la primera escucha, los highlights de North son “Gold” versión de “You Remind Me Of Gold” de The Human League, la fantástica “Aidys Girl Is a Computer” y esa sensación de haber encontrado el disco perfecto para tardes frías de domingo.

Rusko, dubstep del que mola.

Havia descobert fa temps, i si no m'equivoco, Rusko en una recopilació de Soul Jazz Records. Aquest mes d'octubre m'ha tocat fer la ressenya del seu primer LP per H Mag i m'he sorprès de valent. El que he trobat allà dins m'ha fascinat. Autèntics himnes de dubstep que transporten al Londres més underground. Un crossover d'estils que l'anglés s'atreveix a mesclar sense escrúpols, i amb una capacitat innata de fer que les cançons no quedin descontextualitzades tot i distar bastant en quant a estils. Hi ha de tot: Dancehall, Grime, Disco, Dubstep...

La cançó que més fort m'ha calat és la que copio a continuació, on la vocalista és Amber Coffman de Dirty Projectors. Em sembla una peça preciosa i amb una melodia emocionant. Entenc que per molts dels que llegeixen això la cançó no els agradarà, i probablement quedaran sorpresos de que destaqui aquesta cançó com el higlight del disc, però la veritat és que m'ha semblat inexplicable. M'encanta la magestria amb la que es poden convinar aquestes dues textures. Vull dir les línies de baix amb els teclats i la veu tant dolça de l'Amber Coffman. M'imagino aquesta cançó com un tall imprescindible per punxar en qualsevol rave quan la nit quedi enrere, i comenci a sortir el sol.



Rusko
O.M.G.
A pesar de ser un conocido activista de la escena dubstep a nivel mundial, éste es el primer disco en solitario de Rusko. Lo que anteriormente conocíamos de Christopher Mercer eran maxis o temas perdidos por recopilatorios variopintos. Pero agárrense, porqué su primer larga duración es un discazo de tomo y lomo. Una absoluta obra maestra del género que tiene la capacidad de borrar fronteras estilísticas entre el dubstep de guetto (“Woo Boost”) con el Grime más emotivo de “Hold On” donde colabora Amber Coffman de Dirty Projectors. Eso no es todo porqué en O.M.G también hay sitio para otros estilos. Encontraran reminiscencias dancehall y Dub (“Rubadub Shakedown”), Disco (“You're On My Mind Baby”), Garage, etc. En fin, un disco muy variado pero excelente. Arnau Sabaté

Crítiques del mes d'Agost

Aquest mes he fet dues crítiques pel proper número d'H mag. En Raül, el cap de redacció m'ha fotut bronca perquè sempre m'excedeixo dels 750 caracters sense espais que ens demana d'extensió. Pel que sembla li sap greu que sempre em passi, i ell hagi d'exercir de mà sensuradora.

Els discos que he ressenyat són el de la MIA i el de !!!. Tots dos àlbums m'han agradat molt, malgrat tot sembla que no han tingut massa bona acceptació per part del periodisme crític nacional i internacional. Excepte a Playground, on el Crístian Rodríguez (també company a la H mag) fa una sensacional visió del disc de la MIA que val molt la pena i us recomano llegir.

Estic escrivint això des de la feina, i probablement seran les últimes tecles que apreti ja que la deixo per marxar de vacances a Nova York, i al tornar començar una nova vida labora, però d'això ja en parlaré més endavant.

M.I.A.
MAYA

M.I.A. vuelve tras el aclamado KALA con un disco cargado de polémica por todos lados. Menos luminoso y mucho más agresivo. Muestra al mundo su cara más reivindicativa y inconformista. Por eso se ha ganado la enemistad de muchísimos críticos (sobretodo Norteamericanos), y es que claro, nunca es fácil pisar terreno pantanoso, sobretodo si se trata de aquellos que más se hunden cuando pisas (Religión, política, conspiraciones en la red…). Por mi parte se ha ganado la confianza musical, aunque le retraeré su pocas cartas en el asunto, en lo que se refiere a nociones políticas en referencia a unos temas tan peliagudos o su extremadamente buen nivel de vida. Como decía, MAYA (o su equivalente en palitos) es un disco poco luminoso, bastante areste, pero en absoluto malo. Vean el sampleado que utiliza en “Born Free” (Ghost Rider de Suicide) y lo introduce en la canción con el vídeo más impactante de los últimos meses. El resto del disco tambalea o gana confianza según el productor que haya influído (Diplo, Blaqstarr y Rusko).

!!!
Strange Weather, isn’t it?
Las críticas parece que no están acompañando demasiado el cuarto álbum de los californianos !!!, que han grabado en Berlin bajo la influencia de Brian Eno y la producción de Eric Broucek quien también trabajó para LCD Soundsystem y Hercules & Love Affair. Strange Weather, isn’t it? además es su primera referencia por el sello Warp, y a pesar de lo que digan quien escribe esto lo encuentra muy adecuado. Quizás no a la altura de sus primeros discos pero sí digno de su discografía. Aunque el single “AM/FM” tampoco es un rompepistas, el disco, en su parte final, incluye hits en toda regla que empiezan con el tema de influencia disco Hollow, evolucionan con la psicodélica de “Jump Back” y crece con el absoluto highlight del disco, la oda que sintetiza todos adjetivos del disco: “Even Judas Give Jesus A Kiss”, luminosidad pop con acabados de psicodelia y funk cósmico. Concluyen el álbum con “The Hammer”, otro absoluto hitzazo de cosmic disco de tomo y lomo. El bonus track es Blue. En fín, canciones largas, bien estructuradas y perfectas para una noche de baile.

Crítiques de disc pel mes de maig, cada dia un raig.

Ara que he vist que al tumblr d'A Viva Veu han publicat una entrada sobre Flying Lotus, he recordat que a principis de mes vaig escriure algo sobre ell, i les Dum Dum Girls.



Flying Lotus
Cosmogramma
Echando un primer vistazo al disco, vemos que el tracklist desvela una serie de colaboraciones de lujo que, por una parte engrandecen las expectativas, y por otra cumplen en toda regla con lo deseado en primera instancia. Flying Lotus es una de las mentes creativas que detrás del laptop destila beats que tejen el ritmo de la nueva electrónica que vine. La electrónica inspirada en los sonidos del subsuelo y construida sin tapujos ni valores comerciales. Sí que se inspira en antiguos valores del hip hop y los renueva con su visión contemporánea, y les añade ese componente abstracto que gana credibilidad con detalles exóticos, atmosferas embolventes, horizontes psicodélicos e incluso arreglos jazzeros frutos de la colaboración con su primo Ravi Coltrane, hijo del mismísimo John Coltrane. También participan en el disco Thom Yorke, Thundercat y Laura Darlington. AS



Dum Dum Girls
I Will Be
Cuando una cosa está de moda, está de moda. En música también existen tendencias, y quien diga lo contrario miente. Incluso los más snobs siguen tendencias musicales impuestas unilateralmente por medios internacionales y sellos discográficos respetados. Hace años era la indietrónica, después el post-punk, sin olvidarse del rock quinzeañero o el dichoso movimiento nu rave de hace un par de veranos. De un tiempo acá parece que el pop de tinte lo-fi que acuña un cierto aire melangioso contagiado de psicodelia y shoegaze es lo más. Dum Dum Girls son de L.A. y cogieron el nombre de una preciosa canción de Talk Talk. Aunque se empeñen en relacionarlas con Vivian Girls, ellas no son tan chatarreras. Quizás sí sean más asequibles, tengan un toque oscuro y inunden de fuzz y reverb sus canciones. Prueben con I Will be y Jail La La porqué son dos perlitas!

(Tot això ho podreu llegir a la revista H Magazine)

Yeasayer entre la psicodèlia i la festa electrònica

Fa uns dies vaig descobrir els Yeasayer gràcies a la H Magazine, pels quals vaig fer una breu ressenya. Aquest proper 16 de Març estaran tocant a l'Apolo i he escrit quelcom per Good2b que he cregut interessant de publicar aquí...

No us perdeu la imatge corporativa del grup perquè és probablement el que més mola de la banda....

Yeasayer
Odd Blood

El disco de Yeasayer empieza genial. “The Children” es buena, oscura y con una línea de bajos muy envolvente. La canción que le sigue es “Ambling Alp”, un tema que gana en textura pop y quizás algo de épica realzando las expectativas que uno había puesto tras su debut en 2007 con “Waiting for the Summer”, por eso han decidido convertirla en single, que podéis descargaros gratis desde su web. El toque Brooklyniano de su música perdura hasta “Madder Red” y la cristalinidad de su pop deconstruido se hace grande en “I Remember”. Sin embargo, a partir de aquí, el disco coge una línea algo desconcertante, apostando por sonidos electrónicos y ritmos facilones que sacaron exprimiendo algunos recursos de synth-pop pasados de moda, y revisados desde un punto de vista contemporáneo. De la parte final del disco se salva “Rome”, “Strange Reunions” y ya está. El disco está bien, pero es regular.

Lo que, sin embargo tiene de bueno esta banda, a parte de ser de Brooklyn, es que son un grupo para todos los públicos. Su espectro musical gira en torno a los modernos con zapatillas de colores, los indies de camisa de cuadros, e incluso aquellos con gustos un poco más ortodoxos pero que deambulan entre el eclecticismo electrónico y el pop de tinte oscuro. Yeasayer publicaron su segundo álbum a principios de este año, aunque el hitazo convertido en single “Ambling Alp” ya suena desde el 2009 con uno de los mejores videoclips últimamente editados. En el vídeo, y la canción, intentan mostrar la transición de la psicodelia de su anterior disco “All Hour Cymbals” (2009) hacia este giro electropopero moderado con guiños a Fever Ray. El segundo single de Yeasayer, lanzada la promoción a partir de 2010, tiene un toque mucho más electrónico, como el de la mayoría del disco Odd Blood, ya que otros hits como “Rome” incluyen la mezcla perfecta de su primer disco con los nuevos horizontes a los cuales se han aventurado. “Odd Blood” es un disco al que le cojes cariño, cargado de intensidad, nebulosa electrónica y guiños a la psicodelia. Argumentos que pueden ser razón de peso para fortalecer su directo que tenemos tantas ganas de ver, ya que es un grupo que no acostumbra a visitarnos demasiado...

les daremos una oportunidad

Un parell de ressenyes pel mes de març..

Últimament no escric a la revista H. Només em dedico a fer breus ressenyes de discos. Habitualment tenen una molt bona selecció musical, llàstima que el poc espai del que disposen no permet explaiar-se el que un voldria amb els textos. Sovint, els discos que em passen m'encanten. Normalment no conec les referències, per això m'encanta que m'ho passin. En Raül, que és el cap de redacció, té molt bon criteri, i penso que sap escollir molt bé els discos que em passa. M'ha descobert finures com Jóhann Jóhannson, Mountains, i JJ.

Al setembre vaig escriure la crònica d'aquest misteriós grup que més tard sembla haver triomfat el suficient com perquè totes les revistes de prestigi en parlin d'allò més bé. La seva música és purament pop, tot i que barreja elements d'electrònica paisatgística i balearica.

JJ
Nº2

Se trata de un grupo misterioso, igual que el sello que les acoge. JJ no tiene myspace, y la única información oficial de la que disponemos es la que nos ofrece la minimalista web de su discográfica, Sicerely Yours (fundada por miembros de The Though Alliance). Nº2 es la segunda parte de un primer EP lanzado este mismo año y que adelantaba ‘From Africa To Málaga’, tema incluído también en este álbum y que marca una clara línea de twee-pop refinado, pero que difiere del resto de cortes del álbum. El álbum sigue una curiosa línea rítmica predominante basada en la tropicália (Things Will Never Be The Same Again), además de superponerla sobre atmósferas típicas del pop escandinavo (Masterplan), manteniendo siempre firme su condición electrónica, Intermezzo es un claro ejemplo. Arnau Sabaté

El que més li fallava al disc, a nivell personal, era l'artwork de la portada. Més propera al cercle hippie-perroflàutic de la rave, que no al d'un grup d'avantguarda escandinava. Per sort de tots nosaltres, la seva nova referència, per la qual han canviat de segell, compta amb un disseny molt més adaptat a la classe que un grup suec d'electrònica hauria de tenir. El nou disc és diu nº3 i quan me'n van oferir l'oportunitat de parlar-ne no ho vaig dubtar. L'altra ressenya és d'un altre mestre del soul, apadrinat per la parròquia indie. Molt recomanable, però no tant com altres grans del soul blanc del segle XXI com Eli "paperboy" o Jamie Lidell..

JJ
Nº3
JJ sorprendieron en el 2009, y no tienen porqué dejar de hacerlo en 2010. Con una evolución de estilo coherente y un sobresaliente progreso técnico, el misterioso dúo sueco firma el que es su segundo trabajo, trabajando mucho más las melodías, reduciendo el beat de sus bases. Tras su paso por Sincerely Yours, fichan por el sello Secret Canadian, quienes confían en su capacidad por reinterpretar el pop baleárico de antaño sin que, en ningún momento quede descontextualizado. Los destellos electrónicos tomados de bases de dub sobreviven entre las alegres melodías, que predominan sobre las bases rítmicas de su anterior trabajo. JJ son capaces de transportar al oyente a un mundo fantástico, si se escucha la música con atención. La efervescencia de hits como Let Go o You Know son prueva de ello. Arnau Sabaté



Jesse Dee
Bittersweet Batch
A Eli “Paperboy” Reed le ha salido competencia, o una razón más por la que competir en el duro trabajo musical. Desde Boston llega Jesse Dee con su primer trabajo en solitario después de haber cultivado su voz, de jovencito, en la iglesia de su barrio, y de adolescente tocando en grupos de funk. Con un enfoque menos Rythm’n’blusero que su compatriota de Massachussetts, Dee practica un Soul de trasfondo Gospeliano, acercandose al sonido de Nueva Orleans. Elegante y mucho menos raspado la energía que factura Eli “Paperboy” Reed, quizás aspira mucho más a asemejarse en registro vocal a Jamie Lidell que a “Paperboy”. Jesse Lee es otro jovencito blanco capaz de desafiar las leyes naturales y demostrar que el Soul no solo es música de negros. Arnau Sabaté

Fuck Buttons #3

Vaig prometre tres posts sobre Fuck Buttons, i com que m'agrada complir amb la meva paraula, aquí us deixo una entrevista de 3000 caracters amb Andrew Hung i que apareix a l'edició del mes d'octubre de la revista H.



Fuck Buttons son un dúo de electrónica experimental fascinado por la superposición de capas sónicas y la creación de drones apocalípticos. A principios del 2008 recogieron excelentes críticas de la prensa internacional gracias a Street Horsing, disco que editaron con ATP Recordings. Este mes de Octubre llega su segundo largo bajo el brazo de la misma discográfica. Lo han titulado Tarot Sport y contiene 7 canciones que combinan agresividad y calma a la perfección. Andrew Hung, se muestra muy orgulloso, ‘’Estamos muy contentos con el resultado final!’ y afirma que, ‘Durante el proceso de grabación no escuchamos ningún otro grupo que no fuera Fuck Buttons, para que no pudiera interferir en el proceso creativo’.
Seguramente por eso, la sensación que finalmente nos queda es parecida. Yo creo que vuestros discos son la banda sonora perfecta para una tormenta: Progresivos, en un punto agresivos y finalmente crepusculares, ‘Estoy de acuerdo, hay características previas que se mantienen pero evolucionan hacia algo nuevo, que se llama Tarot Sport’.
Surf Solar es el tema escogido como single, una versión, por supuesto, no la de diez minutos que sale en el álbum. Según Andrew, ‘Surf Solar puede establecerse como el puente entre el primer álbum y Tarot Spot’.
El sonido es muy importante para Fuck Buttons. La heterogenia de sonidos y la forma en la cual superponen melodías hace suponer que deben invertir mucho tiempo en hallar y crear ruidos, ‘Cualquier sonido es susceptible para ser usado como sámpler. Recogemos todos los objetos posibles que puedan producir sonido y los utilizamos’.
Incluso las de un reproductor Play School? ‘Sí, nos encanta usar juguetes, es muy divertido! Utilizamos todo tipo de instrumentos que podemos!’
Entonces, intuyo que tenéis preferencia por lo analógico, ‘La verdad es que las nuevas tecnologías facilitan el trabajo (aunque no sabemos si esto supone una ventaja o un inconveniente).’
El viernes 2 de Octubre vais a estar en Madrid, dentro del marco del festival Experimenta Club’09, cita ineludible para cualquier amante de la música experimental. Esta fecha se encuentra dentro de vuestra extensa gira de presentación de Tarot Sport. ¿Creéis que el directo es muy importante para alguien como vosotros? ‘Resulta muy importante que la esencia de Fuck Buttons impresione, tanto en disco como en directo. Somos conscientes que son dos ambientes distintos, por tanto buscamos distintas técnicas que nos permitan acercarnos al público y interactuar con él’.
Respecto al directo, Andrew asegura ser muy exigente,’ En general nos encanta tocar cerca de la cabina del técnico de sonido por que suele ser el sitio donde el sonido es mejor’.
¿Es posible que la figura de Andrew Weatherhall, como productor, haya aportado una faceta más clubber al resultado final del disco? ‘Andrew, ha aportado belleza y color a nuestra música. Quizás si que hay más elementos bailables, pero reconozco que Tarot Sport no ha sido concebido como un disco de club, ¡Aunque tengo curiosidad de ver como sonaría allí!

Crystal Antlers Vs Crystal Stilts

L'any passat va ser Crystal Castles el grup de pop electrònic que va sacsejar l'escena independent amb el seu hit crimewave. Aquest any 2009 dos grups que també utilitzen el prefix Crystal han sortit de l'anonimat (almenys a nivell nacional) i han triomfat arreu de la nostra geografia. Sense anar més lluny Crystal Antlers i Crystal Stilts van participar en el passat festival Primavera Sound 2009, ocasió per la qual em van encarregar aquest article que adjunto a continuació...

Quien son? Son 5 jóvenes músicos de Florida que hicieron un paso adelante en su carrera de músicos mudándose a la gran manzana, concretamente a Brooklyn, cuna de la nueva generación del indie, apoyados por medios de comunicación de prestigio internacional.

Suenan a…El Sonido de Cristal Stilts es tan nítido como el de una fotografía desenfocada y tan primitivo como el de bandas que escuchaban mientras soñaban ser como ellas. Es evidente la huella que bandas como Jesus and Mary Chain o Joy Division han dejado sobre estos norteamericanos.
Antes de Alight Of Night…Al principio, la banda la formaban Brad Hargett y JB Townsend. En 2003, autoeditaron un EP y un single por Feathery Tongue, sello inventado por ellos mismos. Actualmente, ambos discos considerados rarezas por la dificultad de encontrarlos.

Alight Of Night. Para este trabajo, su primer álbum, el nucleo primitivo de la banda decide ampliar sus filas hasta cinco componentes. El batería, Frankie Rose, también forma parte de Vivian Girls, grupo icono en el revival garagero norteamericano actual.
Se parecen a Crystal Antlers, en que ambas bandas incluyen la partícula ‘Crystal’ en su nombre y en que reinterpretan estilos de antaño con más o menos gracia.

Pero no tanto...Crystal Stylts se sumergen en horizontes de oscuridad, melodías afiladas, letras melancólicas y ritmos epilépticos. Ambas bandas estarán tocando el Próximo Primavera Sound 2009.



Quienes son? California ha sido, durante años, la cuna de buena parte del underground estadounidiense, sobretodo a lo que rock se refiere. Estos 6 chicos de Long Island, vienen dispuestos a reorganizar su background musical para definir los horizontes de la nueva psicodelia.

Suenan a...La crítica dice que son como Mars Volta pero sin caer en el barroquismo y la improvisación espontánea de éstos. Por el contrario, si que presentan detalles de música progresiva y, como no, de voluntad Lo-Fi.

Antes de Tentacles…autoeditaron un EP, de nombre homónimo y producido por Ikey Owens de The Mars Volta, con el que se lanzaron a la fama, puesto que la crítica dejó el EP por los aires. A parte de esto, años atrás, publicaron dos 7”, actualmente muy raros de encontrar.

Tentacles es el primer álbum de Cristal Antlers, y consigue ver la luz gracias a su fichaje por el sello americano Touch and Go Records. Fue grabado en California y en él se escuchan órganos, percusiones, guitarras y dos baterías. Para este trabajo han recuperado al guitarrista Errol Davis.

Se Parecen a Crystal Stilts en que ambos provienen de Estados Unidos, aunque de distintas partes y que sus grabaciones suenan Lo-Fi.

Pero no tanto, Crystal Antlers no comulgan para nada con estilos próximos al shoegazing o el post-punk siniestro. Su actitud se encuentra a las antípodas de estos estilos, sus directos son arrolladores, auténticos shows. Musicalmente son poliédricos, disonantes y locos. Arnau Sabaté.

(Aparegut al número de Maig de H Magazine)

No Surprises Lies pt. II: Senior i El Cor Brutal (Fronton Sesions)

Els que em coneguin saban que no tinc massa afany pels hypes -que no treu que m'agradin, que quedi clar-. Tot i això, quan trobo un grup que canta amb el cor, m'agrada proclamar-ho. Fa tot just un mes vaig descobrir, entre una pila de cedés, un digipack beige amb unes lletres mal traçades on s'entenia 'L'experiència Gratificant'. Un fet tant estúpid com descobrir un grup de València que canta en Català, desseguida em va cridar l'atenció. Creia que des de la mort de Joan Fuster i el desplaçament de Raimón a Barcelona, quedaven poques persones amb la valentia de proclamar que el Valencià i el Català són la mateixa llengua i que l'únic que els diferencia és la variant dialectal.
Deixant de banda reivindicacions polítiques -tot i que amb alguns missatges reaccionaris- les lletres de Senior i El Cor Brutal descriuen sensacions cotidianes amb molta classe. La veu de Miquel Àngel Landete transmet quelcom profund, atrapa. Les seves lletres són sinceres i per això m'agraden. El que us ofereixo a continuació és una gravació Lo-Fi que vam fer dintre d'una bugaderia el passat mes d'Abril, quan amb l'escusa que Landete es va desplaçar fins a Barcelona per tocar, nosaltres (el Mai a la Vida), el programa Ànima del 33 i el Nando Cruz de Rockdelux, el vam entrevistar. L'entrevista la podeu escoltar aquí, i els temes que canta són Quasi M'oblide de Tu i Última Voluntat (Adaptada d'una cançó del disc In The Reins de Calexico i Iron & Wine). Cap de les dues cançons les trobareu al nou disc. Podriem considerar-les gairebé com un inèdit. Tot i que el seu disc és elèctric i sigui una reinterpretació personal de les influències de les quals s'han anat nodrint durant tots aquests anys, la gravació que us ofereixo és a guitarra i veu. En format banda guanyen molt més. El cedé és impecable, amb un so extremadament mimat i un afany inextremis d'utilitzar material analògic per gravar les cançons, que li otorguen molta personalitat. Val a dir, en la seva contra que el dia que els vaig veure en directe, van sonar regular però, tot i això no em canso d'escoltar-los.

Parlant amb ells vaig descobrir que els hi encanta l'indie dels 90, sobretot el nordamericà, si més no vam estar parlant de grups com Pavement, Ride, Guided By Voices i Sebadoh. Landete va posar molt d'ímpetu en destacar la influència que havia exercit sobre la seva música les noves corrents folk i weirdfolk més contemporànies. Des de Will Oldham fins a Iron and Wine, Devendra Banhart i alguns més...

Senior i El Cor Brutal a les Fronton Sesions del Mai a la Vida

http://www.megaupload.com/?d=575OB8J5

Crítiques del mes d'Abril

A continuació les crítiques del mes d'Abril que he escrit per Mondo Sonoro, H mag i, per primer cop a la meva vida, a Go Magazine (veure Rubinoos)

O+S
‘O+S’
Saddle Creek Rcds.

O+S es el curioso nombre de un grupo hasta la fecha desconocido por nuestras tierras. Provienen de Birmingham, pero lo curioso del caso es que no se trata del Birmingham del Reino Unido, sino de otra población de Estados Unidos, en Alabama. El proyecto nace de la idea original de Orenda Fink y Cedrik LeMoyne, ambos con otros proyectos musicales paralelos, al cual más tarde se unió Michael Patterson (Beck, Black Rebel Motorcycle Clu), quien produjo el disco. Aunque no hayan sido muy originales escogiendo el nombre de su primer disco, que han titulado igual que a la banda, si que han acertado musicalmente. O+S es un bullicio de creatividad y detalles paisajísticos con los que incluso llegan a rozar estilos como el shoegaze. Lo más fácil sería catalogar su música como pop ambiental, pero eso no sería justo ya que sumergirse en su disco implica impregnarse de ritmos electrónicos poco estridentes, voces tenues, melodías suaves e incluso algunos samplers que tiran en forma de loop para decorar el resultado.



The Horrors
Primary Colours

El single, Sea Within A Sea, fue el primer adelanto de Primary Colours, el segundo largo de esta banda inglesa que se peina como Robert Smith y calza zapatos de plataforma estilo Frankestein, uno de los mitos de la estética gotico-siniestra que tanto admiran. El single, de casi 8 minutos, adapta con elegancia el sonido que antaño popularizaron bandas de la New Wave inglesa, llegando casi a borrar la frontera generacional que separa estos jóvenes de Southend con sus mitos del pasado. El resto del disco no tiene nada que envidiar a este tema. De hecho canciones como Scarlet Fields o la mismísima Mirror’s Image que abre el disco, harían callar a todos aquellos detractores de revistas mainstream inglesas que tanto ayudaron a promocionar este grupo en sus inicios. Mientras bandas como Interpol se han ido descarrilando de la esencia del estilo. The Horrors hacen lo contrario, dan la vuelta a la tuerca que les acerca a Jesus and Mary Chain y les distancia de grupos quinceañeros.

The Von Bondies
Love, Hate and Then There’s You

2/5

The Von Bondies son de la opinión que ser Indie es sinónimo de persona con afinidad para la música complicada especial para momentos de melancolía. Jason, Don, Lean y Christy son jóvenes rebeldes que visten camisas blancas con corbatas negras estrechas y chupas de cuero, calzan deportivas, empuñan guitarras y hacen bailar salas de conciertos enteras a golpe de estribillos facilotes y ritmos puramente bailables. Con Love, Hate and Then There’s You firman su tercer album de estudio y se reafirman en la condición de estrellas para un público principalmente juvenil. En un disco en el que ni tan solo el título rebosa de creatividad, los de Detroit firman el contrato que permite a todos aquellos que hablan de música habitualmente, situar la banda en el mismo saco que otros grupos de post-punk de nueva ola. Riffs de guitarra rockeros, ritmos marcadamente acelerados y que juntamente a letras rebeldes de títulos tan sugerentes como Shout Your Mouth o I Don’t Wanna permiten crear coros épicos y divertidos de tararear en directo. No pienso que haya ningún tema con unas cualidades estrictamente diferenciales que permita crear un clímax en este disco, simplemente discurre en un mismo plano. En muchas ocasiones se las ha visto taloneando grupos grandes como Franz Ferdinan, Kasabian o The Killers. Si continúan a este paso, difícilmente podrán acceder al siguiente, el que les permita ser taloneados en vez de telonear.



Tetsuo
La ciudad de las Nubes

3/5

Detrás de cada canción hay una historia y detrás de cada historia un esfuerzo. Esta es la carta de presentación que Jordi, Rafa y Pedro, componentes de Tetsuo, adjuntan en el libreto que acompaña su nuevo disco, La Ciudad de las Nubes, un álbum que sirve la sinceridad en plato frío y que llama la atención por fundamentar cada tema con algún tipo de existencialismo. Justifican el disco como un conjunto de historias que pasaron a la banda durante el verano de 2007 y a través del cual posibilitaron que pudiera llegarse a componer un álbum, que casi podría definirse como conceptual. La apertura de un blog en Internet, que encontraréis fácilmente tecleando en Google el título del disco, ha servido a la banda para acabar de perfilar el significado total del disco. El blog sirve de puntal para que todos aquellos interesados en descubrir la esencia y el significado que empujó la banda a componer cada tema. Musicalmente, La Ciudad de las Nubes es un disco que texturiza las historias y con la ayuda del hilo conductor, que sirve como guión, se pasa de fríos riffs de guitarra a energéticos cambios de ritmo, parones, voces que rozan el screamo y momentos instrumentales memorables.



El Petit del Cal Eril!
I Les Sargantanes Al Sol
Bankrobber
4/5

Las influencias del weird-folk anglosajón están empezando a arraigar fuertemente en nuestro país de una manera ciertamente curiosa. Se mantienen las formas y se mezclan con elementos autóctonos de la tierra. Joan Pons, viene de Guissona, un pueblo de la provincia de Lleida que puede que les sea familiar por cuestiones extramusicales y, donde el paisaje, el ritmo de vida cotidiano y la familia ha sido lo que, en buena parte, han inspirado la música de El Petit del Cal Eril des de su primera maqueta hasta I Les Sargantanes Al Sol, su primer largo. Joan es técnico de sonido de profesión, escusa que le ha permitido crear un disco a medida de sus posibilidades. Aunque pudiérase definir como un disco casero, el sonido no le delata. La meticulosidad con la que la banda cuida los detalles, hacen de éste, un disco con constantes referencias al contexto que inspiró la creación del mismo. Las letras dibujan escenas típicas de la vida en un pueblo, así como te permiten cerrar los ojos y oler a tierra mojada o a fruta fresca. Discurriendo pausadamente, tras una breve intro y el sonido de unas campanas, el disco empieza oficialmente en el minuto y medio de la segunda canción. Instrumentos tradicionales se mezclan con sutilezas electrónicas, guiños a antiguas canciones folklóricas y coros infantiles.

The Rubinoos
HodgePodge

Batiburrillo es la definición que aparece en un diccionario inglés-español cualquiera cuando alguien busca el significado de la palabra anglófila HodgePodge, que además de significar colección heterogénea, es el título elegido por la legendaria banda norteamericana The Rubinoos para titular su último trabajo, que en España edita WildPunk Records. The Rubinoos son un grupo de California surgido unos años después que la que la British Invasion hiciera tambalear los intereses de la música popular norteamericana. Tocando a la sombra de los grandes, fueron conocidos abanderados del género powerpop y sucumbieron durante los 70’s con magníficas construcciones pop que nada tenían que envidiar a los estribillos pegadizos de bandas como Los Beatles o The Hollies. El esmero en las armonías vocales que se aprecia en muchos temas incluso puede acercarles a la magnificencia sonora de sus paisanos Beach Boys. Lo anteriormente comentado, en referencia al batiburrillo, hace referencia a la estrecha relación que existe entre el título del disco y el material que éste recoge. En su mayoría rarezas grabadas en distintas épocas de la banda, que hasta el momento solo habían sido editadas en Japón, junto a versiones de artistas como The Raspberries (Cruisin' Music) o Frank Zappa ("Absolutely Free").

Tres discs per començar el mes...

Mazoni
Eufòria 5 – Esperança 0

Parece que Jaume Pla, líder y ánima de Mazoni, con su último disco se distancia un poco de su sonido habitual y establece su proyecto en el lado más rockero de su carrera. Eufòria 5 – Esperança 0 es un disco abiertamente rock, y donde el autor hace un giro hacia los sonidos más clásicos del Rock’n’Roll. A pesar de ello, el disco tiene un corte ecléctico que sorprende. Eufòria, tema con el que se abre el disco, es de corte más contemporáneo, el resto, tiende a un sonido puramente sixties, incluso haciendo guiños al Hard Day’s Night de los Beatles en Quan Surt El Sol, o mezzo seventies en potentes riffs de guitarra de canciones como Apocalipsi Now –con una letra un poco punk, por cierto-. Las canciones que más se alejan del clasicismo son el caos que representa Mala Llet o Cercles, optimismo en estado puro para cerrar un disco con mucha euforia pero esperanza cero.

Mountains
Chorus

Mountains son un dueto afincado en Brooklyn. Amigos des de la adolescencia, se conocieron en el instituto de arte de Chicago, donde coincidieron por afinidad musical. Tras fundar el grupo, sacaron algunas grabaciones. A pesar de ello, Chorus es su primer álbum, fue grabado en directo y en una sola sesión, lo que indica cierta improvisación en su parte compositiva. El disco consta de 6 piezas de electrónica de corte post-rockero. En él, intuimos detalles acústicos que se enlazan con atmósferas creadas a base de drones electrónicos. Sin recurrir a la distorsión, Chorus es un disco primordialmente orgánico que evoluciona en un contexto de música frágil y donde se intuyen ritmos de instrumentos tan variados como teclados, xilófonos y punteos de guitarra.

Julie Doiron
I Can Wonder What You Did With Your Day

Julie Doiron, la que fue líder de Eric’s Trip y acompañó, últimamente, a Phil Elverum en uno de los múltiples discos que sacó el año pasado, vuelve con el que a la primera escucha parece ser su disco más primaveral, o al menos eso es lo que transmite el canto de los pájaros de The Life Of a Dream, tema con el que se abre I Can Wonder What You Did With Your Day. Disco que hereda el sonido Eric’s Trip que transmitía Woke Myself Up, y que deja Godnight Nobody muy lejos. En su nuevo álbum, las canciones de Doiron suenan crepusculares y ruidosas, Consolation Prize’ y ‘When Brakes Get Wet’ son buenos ejemplos. Tanto en las letras como en los títulos, se intuye el optimismo que quedó atrás con sus anteriores álbumes. A pesar de ello, su música sigue inspirando ese sentimiento de melancolía típico de una tarde primaveral de domingo.


(Aquestes crítiques apareixeran al proper número de la Revista H, la del mes d'Abril)

Friendly Fires, FIB, Section 25 i altres coses que cal saber

Veig que avui, el festival comandat per l'imperi Morán, saga madrilenya que va començar a invertir fa una quinzena d'anys al litoral de la costa castelloneca, anomenada del Azahar, per crear el perimer macro festival de la península, ha confirmat una sèrie de noms de segon pla que se sumen al mainstream dels Oasis, The Killers, Franz Ferdinan & Co.

El tema és que entre els grups, s'hi troben els Friendly Fires, un grup del qual vaig fer una crítica a la revista H mag.

No se si fa quinze anys haguessin vingut al festival, ni tampoc se si, en el cas d'haver-ho fet, tocarien al, ja desaparegut, escenario Maravilla. De totes maneres, hi ha una curiositat relacionada amb el grup que em va sorprendre molt, i que va en referència al nom de la banda. El van pendre d'una cançó titulada així d'un grup de post-punk anomenat Section 25 que, tot i compartir segell amb grups de la talla de Joy Division i New Order a Factory Records, durant la època van passar bastant desaperçebuts.

La qüestió és que, des del meu punt de vista, Section 25 fan una música bastant més atractiva que la que toquen els Friendly Fires. Sonen realment obscurs, transmeten fredor i, això es demostra al vidioclip que adjunto a continuació. És d'un tema anomenat Looking from a Hilltop (Version 2), on el que més m'agrada, és la capacitat que tenen el sintetitzadors, juntament amb la veu de la noia, de transmetre aquesta puresa en el so, que és fred com el tall d'una espasa.

El vaig estar escoltant en repeat durant una temporada i avui, aquesta notícia m'ho ha fet recordar. Encara tinc els pèls de punta...

1. Nombre del disco: Friendly Fires
2. Nombre del autor: Friendly Fires
3. Discográfica: XL Recordings
4. ¿Quiénes son? Tres ingleses que empezaron juntándose para tocar en la universidad y que actualmente tocan en festivales multitudinarios. Fans incondicionales del post-punk de Section 25, de los cuales adaptan su nombre de una de sus canciones. Actualmente han cambiado los pedales de distorsión por una caja de ritmos y un equipo de percusión.
5. ¿A qué suena? Aunque en temas como ‘Jump in the Pool’ hagan un amago de ritmos tribalo-progresivos a lo Animall Collective enseguida te das cuenta que lo suyo consiste en dejar lo abstracto de lado y apostar por algo más bailable. Samplers electrónicos, mucha percusión y guitarras fresquitas.
6. ¿Su punto fuerte? Hacen la música ideal para el momento adecuado, la que se baila en las discotecas de moda. Por afinidad podrían compartir cartel en el mismo festival con Dirty Projectors y Midnight Juggernauts.

7. Te gustarán si te gusta: que se mezcle épica y profundidad a lo Cut Copy con la simpatía de Hot Chip. Si eres fan de Ladytron o del post-punk claroscuro.

8. Autor de la crítica: Arnau Sabaté

Coconot, parte de lo que debía

L'entrevista que va sortir el passat Desembre a la Revista H mag va patir moltíssimes retallades, pel que a continuació ofereixo la versió extesa de l'entrevista que vaig fer-li a Pablo Díaz Reixa a.k.a El Guincho i alma mater de Coconot, com a únic membre que va poder atendre'ns de la banda. Jens Neumaier estava al Japó i Cristian Subirà era fora. Sens dubte, 'Cosa Astral' serà un dels discs de l'any fets a Catalunya i un dels millors a nivell estatal. A mí, personalment, m'agrada molt més que el Guincho, tant a la primera escolta com a mesura vas escoltant el disc. Crec que l'entrevista que els vaig fer era lo suficientment interessant com per que no fos retallada així que allà va...

Música tropical y Diciembre parecen dos conceptos totalmente opuestos, pero la concepción musical de llegar al pop des de el tropicalismo es la forma que tienen Coconot de vencer el frío hivernal. En Coconot hay lo mejorcito de cada casa, 3 músicos que ocupan su tiempo produciendo y tocando, entre otras que seguro me olvido, bandas como 12twelve, El Guincho, Albaialeix, Jahbitat o La Orquestra de la muerte. Siento un cierto espíritu muy libre en lo que me cuenta Pablo Diaz Reixa respecto al grupo. Libertad de movimiento y libertad de composición, ‘Todos estábamos muy activos por nuestra cuenta, y siempre ha sido así, de hecho el grupo siempre ha sido un sitio donde nos reuníamos para pasárnoslo bien’. Canalizan sus amplias influencias para crear música bajo un claro y evidente lema que se le escapa sin querer cuando la entrevista ya casi había terminado, ‘La idea del grupo es que cualquier tipo de sonido pueda entrar en nuestra habitación. Tampoco es que tengamos un cartel en la puerta que ponga ‘Tropical’, y todo lo que no sea tropical se tenga que quedar a fuera…’. Probablemente sea ‘tropical’ el adjetivo más extendido para definir la música de Coconot. ‘Cosa Astral’, es un disco de pop tropical, pero decido preguntarle a Pablo, ¿Cual es el valor de la música tropical en la música contemporánea? Para mí viene de un movimiento denominado ‘Topicalia’, de muy corta durada, y que ocurrió en Brasil. Motivado por la revolución de la entrada de nuevas costumbres, a finales de los 60’s y principios de lo 70’s, cuando intentaron adaptar la forma en que ellos habían encarado la influencia del pop anglosajón en su música popular. Me gustaba mucho esa idea de grupo de pop con influencia de Caetano Veloso, Joao Gilberto. Lo que persigo y sigo persiguiendo es esa idea… Se que no es ético entrevistar a un grupo como Coconot y preguntar por El Guincho, pero me resulta inevitable. Me disculpo y formulo la pregunta. ¿Aprovechaste la pausa con El Guincho para sacar el disco de Coconot? El disco lo empezamos a grabar en octubre de 2007 y eran canciones que teníamos de hace un o dos años. Lo que pasa es que el disco de El Guincho salió en diciembre y con Coconot no salíamos demasiado…sin querer acabé dedicando un poco más a lo mío que al grupo. Entonces fue, cuando por circunstancias, cancelé la gira y aprovechamos para sacar el disco. ¿Entonces Coconot no lo consideráis como vuestro proyecto prioritario? Cuando haces grupo nunca lo clasificas, éste es el primero, éste el segundo…más bien es como se va dando el calendario. Todos estábamos muy activos por nuestra cuenta, y siempre ha sido así, de hecho el grupo siempre ha sido un sitio donde nos reuníamos para pasárnoslo bien. A pesar de ello tenéis dos discos y éstos, además, difieren un poco en cuanto a concepto. ¿Qué diferencia ves entre ambos? Sí, la verdad durante 2007 estuvimos muy en activo. Y respeto a las diferencias, el primer disco lo grabé yo con mi primo, mucha improvisación, mucha idea (una idea que sigo persiguiendo a día de hoy). En el segundo disco somos tres personas, a las tres nos gusta mucho implicarnos y salen cosas muy interesantes. ¿Con el poco tiempo, Cómo os lo habéis hecho para grabar el disco? Yo por Barcelona paso súper poco, cada vez que yo llegaba de gira era ir quedando para ir terminando voces…yo iba escribiendo las letras cuando estaba por ahí de gira. Ha sido una odisea total. Empezamos ha grabar el disco el Octubre del año pasado pero en el disco hay canciones que tienen hasta 4 años. Las canciones pierden en frescura pero ganan en profundidad. Usáis muchos aparatos electrónicos en vuestra música. ¿Qué influencia tiene la electrónica en vuestra música? Yo uso un pad electrónico, Jenz pasa todas sus guitarras por pedales. Cristian utiliza teclados pasados por efectos. La idea era que la electrónica fuera una ayuda que nos reforzara nuestras composiciones de canciones pop. También mezclamos el sonido del pad con el de la batería, utilizamos pedales de loops, etc. En cuanto a estilo sois muy versátiles, ¿Os molesta que os tachen de experimentales? Cuando haces tu música pierdes la propia perspectiva. Lo que, a veces, a mi me parece excelente a la gente le parece inaudible. Nuestra intención era grabar un disco de canciones pop, la forma con la que queríamos llegar ahí era de otra cosa. Quizás des de esa perspectiva si que podemos sonar experimentales. Vuestro disco lo saca BCore pero he leído que vuestro disco lo va a editar, también, un sello Australiano. ¿Cómo sucedió? Yo saqué mi disco con Mistletone en Australia y más tarde coincidí con ellos en París, donde estuve tocando. Tenía unas primeras mezclas de lo que hicimos, lo escucharon les moló y decidieron sacarlo. Intuyo aquí que puede haber un cierto interés respeto a tu éxito con El Guincho, ¿Qué opinas? Hombre…no soy ingenuo. Seguramente…pero el más mínimo indicio que vea lo voy a obviar por que no me interesa hablar del Guincho como Coconot, más que nada por que me parece una comparación poco interesante. Sacar a la gente por interés no me parece nada excitante…

Fordlândia i el paisatgisme electrònic.

No acostumo a ser dels típics que estan a la última amb novetats. No negaré,però, que estic més o menys al dia Cal aclarir que no arribo als nivells d'aquells que moren per tenir el scrobbler del last.fm amb el top d'escoltes setmanals petat amb el disc que s'acaba de filtrar de l'artista més molón del moment. Aquell que anirà al Primavera...
El meu scrobbler acostuma a mesclar lo clàssic amb lo modern i lo no tant clàssic amb lo no tant modern. El que si que admetré és que porto uns dies una mica absorbit amb l'electrònica, concretament amb aquella electrònica més ambiental. M'encanta l'electrònica per tenir-la de fons mentre faig feina. Crea una atmosfera envolvent perfecta per treballar, consegueix absorbir. Vaig retrobar l'electrònica fa uns dies amb el gran disc Music for Airports de Brian Eno. El mateix dia vaig seguir amb Aphex Twin i la seva col·lecció Selected ambient works i tot i que no tingui massa a veure també he estat escoltant molt un altre disc boníssim que ens ha deixat aquest 2008, Lindstrøm, Where You Go I Go Too. La electrònica duu, habitualment íntrinsec, un adjectiu que la defineix a la perfecció. Aquest adjectiu és paisatgístic. Jóhann Jóhannsson capta a la perfecció aquesta qualitat i la plasma en un dels millors discs del 2008, Fordlândia.
El disc va sortir el 3 de Novembre i la ressenya que adjuntaré a continuació la vaig fer pel passat número de la revista H mag.


Jóhann Jóhannsoson
Fordlândia
4AD

Si escribes Fordlândia al google, la primera referencia que viene es de Wikipedia y no precisamente para hablar del segundo disco de la trilogía que el islandés, residente en Reykjavik, Jóhann Jóhannsoson (que quizás les sonará más si les digo que es miembro fundador de Apparat Organ Quartet) ha decidido dedicar a iconos de la tecnología norte-americana. Fordlândia se traduce como tierra de Ford, creada por el empresario Henry Ford, en los años 30, a orillas del río Amazonas, en Brasil, para cultivar Caucho y romper el monopolio Británico-Holandés que reinaba entonces. El proyecto fracasó y actualmente es una ciudad abandonada. Este dato histórico tan frívolo ha sido, en este caso, lo que ha influenciado a Jóhannsoson para crear este disco tan paisajístico y onírico. Interpretado por una orquesta de cuerda y sutilmente electrónico fue grabado entre Praga, Reykjavik y Tokyo. Arnau Sabaté

Fa dies que volia escriure aquest post, però el que realment m'ha animat a fer-ho ha estat el trobar-me aquest disc per sorpresa en una llista del millor del 2008. Mai a la vida hagués pensat que algú posaria Fordlândia com un dels discs de l'any. La gent del magazine online, Play Ground ho fan i per aquesta raó s'han guanyat la meva credibilitat. És curiós trobar-se aquest disc entre una llista d'allò més eclèctica, ja que el disc de Jóhannson s'allunya molt del que s'acostuma a posar a les llistes. A Fordlândia no hi trobaràs cap single ni cap super ventes. Només paisatges sonors que ronden els 8 minuts de durada i que converteixen la seva música amb el substitut perfecte al silenci. El disc convina a la perfecció el predomini d'instruments de corda amb la sutilesa de la electrònica, el que significa que la música inspira, bàsicament, melancolia. Tanta que inclús, sembla que tinguis fred mentre escoltes el disc. El so dels violins i dels cellos se't claven com espases i t'hipnotitzen. Et traslladen cap a un fantàstic viatge a Brasil, però no al dels cocos i les caipirinyes. Sinó aquell de la frivolitat. Fordlândia existeix, és una ciutat abandonada als peus del Riu Tapajós, un afluent del Riu Amazones, que va crear l'empresari Nord-Americà Henry Ford als anys 20 per cultivar cautxú a fí d'abaratir costos pels seus cotxes. El projecte de crear un reducte Nord-Americà als anys 20 a Brasil va fracassar, i els indígenes cansats de les condicions d'aquell lloc tant infecte van fer que es rebel·lessin contra el capitalisme occidental. Aquest argument tant negre contrasta amb la música fràgil que conté el disc.

Jóhann Jóhannson recupera aquest lloc tan insòlit com a font d'inspiració per la seva música per fer la segona de les tres parts que té el projecte en el que actualment es troba embarcat, el d'homenatjar, a la seva manera, alguns mites del desenvolupament tecnològic del Segle XX. El primer va ser IBM 1401, A Users Manual. Un disc que originalment va composar per un quartet de corda però que més tard va reinterpretar en concepte per tal de tornar-lo a composar, aquest cop per un sextet de corda unit a alguns detalls d'electrònica. IBM 1401, A Users Manual és primer disc de la trilogia que va escriure per homenatjar al primer sistema processador de dades que va arribar a Islàndia. Ah! és veritat, no havia dit fins ara que era Islandès, d'on sinó...

Us recomano fer un vol per la seva pàgina i llegir les interpretacions que fa Jóhann Jóhannson dels seus discs. Cada disc té una web on explica el concepte del projecte i repassa una a una les cançons del disc. Aquí teniu l'enllaç a la interpretació de Fordlândia.