Crítiques del mes d'Agost

Aquest mes he fet dues crítiques pel proper número d'H mag. En Raül, el cap de redacció m'ha fotut bronca perquè sempre m'excedeixo dels 750 caracters sense espais que ens demana d'extensió. Pel que sembla li sap greu que sempre em passi, i ell hagi d'exercir de mà sensuradora.

Els discos que he ressenyat són el de la MIA i el de !!!. Tots dos àlbums m'han agradat molt, malgrat tot sembla que no han tingut massa bona acceptació per part del periodisme crític nacional i internacional. Excepte a Playground, on el Crístian Rodríguez (també company a la H mag) fa una sensacional visió del disc de la MIA que val molt la pena i us recomano llegir.

Estic escrivint això des de la feina, i probablement seran les últimes tecles que apreti ja que la deixo per marxar de vacances a Nova York, i al tornar començar una nova vida labora, però d'això ja en parlaré més endavant.

M.I.A.
MAYA

M.I.A. vuelve tras el aclamado KALA con un disco cargado de polémica por todos lados. Menos luminoso y mucho más agresivo. Muestra al mundo su cara más reivindicativa y inconformista. Por eso se ha ganado la enemistad de muchísimos críticos (sobretodo Norteamericanos), y es que claro, nunca es fácil pisar terreno pantanoso, sobretodo si se trata de aquellos que más se hunden cuando pisas (Religión, política, conspiraciones en la red…). Por mi parte se ha ganado la confianza musical, aunque le retraeré su pocas cartas en el asunto, en lo que se refiere a nociones políticas en referencia a unos temas tan peliagudos o su extremadamente buen nivel de vida. Como decía, MAYA (o su equivalente en palitos) es un disco poco luminoso, bastante areste, pero en absoluto malo. Vean el sampleado que utiliza en “Born Free” (Ghost Rider de Suicide) y lo introduce en la canción con el vídeo más impactante de los últimos meses. El resto del disco tambalea o gana confianza según el productor que haya influído (Diplo, Blaqstarr y Rusko).

!!!
Strange Weather, isn’t it?
Las críticas parece que no están acompañando demasiado el cuarto álbum de los californianos !!!, que han grabado en Berlin bajo la influencia de Brian Eno y la producción de Eric Broucek quien también trabajó para LCD Soundsystem y Hercules & Love Affair. Strange Weather, isn’t it? además es su primera referencia por el sello Warp, y a pesar de lo que digan quien escribe esto lo encuentra muy adecuado. Quizás no a la altura de sus primeros discos pero sí digno de su discografía. Aunque el single “AM/FM” tampoco es un rompepistas, el disco, en su parte final, incluye hits en toda regla que empiezan con el tema de influencia disco Hollow, evolucionan con la psicodélica de “Jump Back” y crece con el absoluto highlight del disco, la oda que sintetiza todos adjetivos del disco: “Even Judas Give Jesus A Kiss”, luminosidad pop con acabados de psicodelia y funk cósmico. Concluyen el álbum con “The Hammer”, otro absoluto hitzazo de cosmic disco de tomo y lomo. El bonus track es Blue. En fín, canciones largas, bien estructuradas y perfectas para una noche de baile.

Crítiques de disc pel mes de maig, cada dia un raig.

Ara que he vist que al tumblr d'A Viva Veu han publicat una entrada sobre Flying Lotus, he recordat que a principis de mes vaig escriure algo sobre ell, i les Dum Dum Girls.



Flying Lotus
Cosmogramma
Echando un primer vistazo al disco, vemos que el tracklist desvela una serie de colaboraciones de lujo que, por una parte engrandecen las expectativas, y por otra cumplen en toda regla con lo deseado en primera instancia. Flying Lotus es una de las mentes creativas que detrás del laptop destila beats que tejen el ritmo de la nueva electrónica que vine. La electrónica inspirada en los sonidos del subsuelo y construida sin tapujos ni valores comerciales. Sí que se inspira en antiguos valores del hip hop y los renueva con su visión contemporánea, y les añade ese componente abstracto que gana credibilidad con detalles exóticos, atmosferas embolventes, horizontes psicodélicos e incluso arreglos jazzeros frutos de la colaboración con su primo Ravi Coltrane, hijo del mismísimo John Coltrane. También participan en el disco Thom Yorke, Thundercat y Laura Darlington. AS



Dum Dum Girls
I Will Be
Cuando una cosa está de moda, está de moda. En música también existen tendencias, y quien diga lo contrario miente. Incluso los más snobs siguen tendencias musicales impuestas unilateralmente por medios internacionales y sellos discográficos respetados. Hace años era la indietrónica, después el post-punk, sin olvidarse del rock quinzeañero o el dichoso movimiento nu rave de hace un par de veranos. De un tiempo acá parece que el pop de tinte lo-fi que acuña un cierto aire melangioso contagiado de psicodelia y shoegaze es lo más. Dum Dum Girls son de L.A. y cogieron el nombre de una preciosa canción de Talk Talk. Aunque se empeñen en relacionarlas con Vivian Girls, ellas no son tan chatarreras. Quizás sí sean más asequibles, tengan un toque oscuro y inunden de fuzz y reverb sus canciones. Prueben con I Will be y Jail La La porqué son dos perlitas!

(Tot això ho podreu llegir a la revista H Magazine)

Ópera Egipcia

L'altre dia deia això, avui parlo del seu disc, en una crítica que sortirà al GoMag...

Los Planetas

“Ópera Egipcia”

Flamencodelia. Los gitanos llamaban “Ópera Egipcia” a lo que los payos conocemos como obra maestra porqué según parece, los orígenes de este pueblo se situaban en Egipto. Así es como Los Planetas homenajean uno de los patrimonios populares más arraigados de su tierra. En Andalucía conocen bien el significado de la palabra “popular”. Según ellos mismos, el Flamenco siempre ha sido una musica que ha evolucionado y subsistido al margen de la cultura dominante, siendo asimismo interpretada y amada por gente poco integrada socialmente. Este paralelismo contracultural es el nexo de unión que les ha permitido dar forma a un nuevo sonido que en “La Leyenda del Espacio” encontró su máximo exponente. La convergencia entre Flamenco y Rock Underground permitió, además, crear la prolongación de ese disco en el EP “Cuatro Palos” del cual, por cierto, rescatan “Romance de Juan de Osuna”. “Opera Egipcia” no tiene la excelencia de “La Leyenda del Espacio”, sin embargo completa y perfecciona el sonido que llevan trabajando hace tiempo. “Ópera Egípcia” nace sin un concepto aparente, a pesar de que va adquiriéndolo a medida pasan las canciones. En su mayoría, adaptaciones de antiguos cantos de distintos palos y cantaores que han ajustado al género. Estructuralmente es necesario apuntar dos detalles; que es la primera vez que a Jota se le entienden las letras, y que el disco se divide en dos partes bien distintas. La primera es, musicalmente más asequible y vitamínica. Empieza tras “La llave de Oro”, una pieza instrumental que abre el disco, donde la voz que en principio debia ser interpretada por Morente, finalmente se sustituyó por una línia de guitarra de Florent. Esta primera parte, además, es la que incluye canciones no inéditas de la banda (“Soy un pobre Granaíno” y “Una corona de Estrellas”, aparecida en la película La Habitación de Fermat), hecho que se convierte en lo más recriminable del disco. Tras “7 faroles” descubrimos que Los Planetas van afilando intenciones, encarrilándonos hacia el single “No se cómo te atreves”. Una balada que comparten a dúo Jota y La Bien Querida, que mejora con las escuchas. La aparición de Ana Fernandez no es aislada ya que gana protagonismo en “La Veleta”, una insólita canción donde los protagonistas son ella y los sintetizadores. En la segunda parte del disco, fijan su intención en adaptar las influencias más oscuras del flamenco y sumergirse en la psicodelia. Los Planetas consiguen dar forma al género que crearon y consolidarse en la “Flamencodelia”. Huyendo más allá de lo que hicieron en sus dos referencias anteriores, consiguiendo que lo más flamenco del disco sean las letras. El punto de inflexión entre las dos partes es “Señora de las alturas”, un hit a la altura de sus mejores singles que fija el sonido de su nueva etapa en la lisergia planetera de antaño. A partir de aquí el disco se vuelca en la profundidad del cante jondo. La primera referencia es “Creí Morirme de Pena”, un juego de frescura y tristeza que prepara al oyente para, poco a poco, trasladarlo hacia el un universo palpitante de intensidad de “Virgen de la soledad” y “La pastora divina”, interpretada por Enrique Morente con una vehemencia que estremece. Toda la sencillez del principio del disco se convierte, al final, en una bruma de oscuridad. Los Poemas despide el disco fundiendo influencias de rock progresivo y pasión flamenca en una de las más conmovedoras canciones de la historia de Los Planetas. Arnau Sabaté

Crítiques del mes de febrer

Totes aquestes crítiques apareixeran el mes que ve a la revista Go Mag. Cal dir que realment no m'ha agradat cap dels tres discos. Tot i que el de Lucky Elephants i el de The Black Box Revelations encara es salven...

Downpilot
The Kind Of Sine

Americana. Paul Hiraga, alma mater de Downpilot, y responsable, en buena parte, del carácter del grupo, demuestra ser especialmente minucioso con todo aquello que implica la autoproducción de un disco. Movió fichas a su antojo para crear el disco que él quería. El que mejor reflejaba, a imagen y semejanza, aquello que le gusta, la música que ha escuchado siempre. Por eso lo grabó en su home estudio, prescindiendo de manos ajenas que pudieran haber influido en el resultado final de su tercer disco de estudio. “The Kind Of Shine” es un disco relajado y intimista, que encuentra su sitio en las bases dictadas por la Americana y el Sunshine-Pop de toda la vida, y al que Hiraga le tiene tanta devoción. Este crossover tiene como resultado un producto donde el predominio de instrumentos como el banjo y la steel-guitar son especialmente relevantes para poner de manifiesto esa predilección por el sonido buscado y que él pretende que sea tan encasillado. Bajo el punto de vista de un servidor, “The Kind Of Shine” es un disco que no aporta ningún valor añadido especial, ni excesivamente relevante. Sin embargo hay que reconocer que va a gustar a los que coleccionen discos de Jayhawks y Walkabouts, porque Paul tiene una forma muy especial de hacer las cosas. Arnau Sabaté

Lucky Elephant Starsign Trampolin

Experimenta-pop. Aunque con un poco de retraso, llega a nuestras manos el disco debut de ésta, más o menos, desapercebida banda inglesa, dueña de un sonido poco heredero de la típica influencia británica, aunque mucho más enfocada a sentar las bases del pop de nueva ola en el Reino Unido. Un estilo que actualmente tiene la sede en el continente norteamericano, por el montón de bandas innovadoras que sorprenden desde allí. Lucky Elephant no tienen una influencia especialmente destacable que les encasille dentro de ninguna escena. Por esa razón, su música tiene un caracter propio curioso que le concede un especial toque de gracia por el cual les hemos pillado cierto cariño. Sobretodo por “Lucky Elephan”, la pieza instro-cinematográfica que abre paso a un popurrí estilístico ámplio donde tienen cabida géneros que poco tienen que ver entre sí. “Edgar”, en segundo lugar, quizás se establece como el hit del disco por esos punteados tropicales que reiteradamente son utilizados como recurso habitual por los grupos de nueva ola. A partir de entonces el disco toma un aire melancólico que cruza misticismo en la pieza electrónica del disco, bautizada como “Modern Light Changing People”, con cierto regusto indietrónico. El resto del disco fluye sin pena ni gloria, igual de irregular y sin una línea estética aparente, aunque resulton. Arnau Sabaté




The Black Box Revelation Silver Threats

Blues-Rock. Es fácil pillarle cariño a The Black Box Revelation si de joven has escuchando rocanroleces de la talla de Buckcherry, Hellacopters o The Backyard Babies, porqué seguramente éstas son las bandas con las que más rapidamente estableces afinidades. Después de la segunda escucha, descubres que el disco tiene ese toque blusero que al rock’n’roll de chico malo del instituto le gusta tanto (Escúchese “Run Wild” como máximo respresentante de este argumento). Aunque también te das cuenta que el disco contiene hits menos agresivos y con un corte mucho más intimista que roza la épica cuando escuchas “Our Time Has Changed For Years Now” y te imaginas una sudada muchedumbre coreando emocionados los dotes líricos del cantante que tanto valoran. Con una producción que apunta, en algunos momentos, al Lo-Fi, The Black Box Revelation se disponen a trabajar tal como lo hicieron el referente en formato duo de rock’n’roll contemporáneo, The White Stripes. Con una formación igual de reducida que ellos, estos Belgas convinan agresividad, visión poco ortodoxa y un cierto gusto hacia lo experimental. Deliberando finalmente, después de varias escuchas, uno puede llegar a la conclusión que éste no va a ser, sin ninguna duda, el disco del año. Arnau Sabaté

Fuck Buttons #2

Aquesta és una de les primeres crítiques que vaig fer per Mondo Sonoro...

Fuck Buttons
“Street Horsing”
ATP


Post Rock. De forma progresiva y de la mano de la bella 'Sweet Love For Planet Earth', los ingleses Fuck Buttons nos introducen en el universo sonoro que habitan. En esta canción conviven a partes iguales psicodélia y progresión, argumentos que se mantendrá fijos durante los 49 minutos y 41 segundos que dura el 'Street Horsing'. Disco que se reparte en 6 temas que no bajan de los siete minutos, a excepción del psicodélico y demoníaco 'Ribs out', un tema al que le encuentro un cierto parecido con algunos sonidos primo-hermanos del genio de la experimentación y heredero del legado Aphex Twin, Mike Paradinas a.k.a µ-ziq. El ruido apocalíptico de los Fuck Buttons continua con la pesada 'Okay, Let's Talk about Magic' y 'Race You To My Bedroom – Spirit Rise'. El disco contiene un detalle que personalmente valoro mucho, que los temas estén enlazados. Un argumento que se rompe antes de llegar al final en 'Bright Tomorrow', momento en el que parece que se vaya a asomar un poco el sol y se vaya la tormenta. Arnau Sabate.

3/5

Fuck Buttons #1

Aquests dos nois, que aquí surten tant macos, en realitat són uns retorçats. Almenys això és el que ens transmeten a través de la seva música. Densa, espesa i fosca però alhora crepuscular. No em cansaré d'assenyalar-ho. El que em transmet la seva música és la d'un estat purament febril, com el d'una tempesta violenta i la calma conseqüent. Quan plou molt et quedes radere el vidre mirant com plou, i la pluja t'anestesia, però quan surt el sol, i veus l'arc de sant martí i el cant dels primers ocells la calma és multiplica. Així doncs, aquesta és la meva sensació quan escolto aquests bons homes, que tocaran aquest dissabte al Nitsa en horari de club, i pels quals he escrit el text que veureu a continuació.

Ja aviso que aquest serà el primer, d'uns quants posts que publicaré al llarg de la setmana dedicats a aquest duet de Bristol. Avisar-vos que també podeu llegir la crítica de Tarot Sport (ATP, 09) al bloc d'A Viva Veu.

Fuck Buttons son un dúo de electrónica apocalíptica y, según como se mire, experimental, que con su segundo largo han adaptado a una vertiente electrónica más clubber, o lo que llanamente se entiende por aquello de ‘el bombo más marcado’. Al menos lo demuestran así en su primer single, Surf Solar (avance de su nuevo e inminente álbum Tarot Sport, producido por Andrew Weatherall (dj, productor y remixer de Primal Scream, New Order, etc.)

Salvando las distancias con otros dj’s y productores más habituales en el Nitsa, la sesión del próximo Sábado 3 de Octubre, será una arriesgada sesión de electrónica poco habitual, teniendo en cuenta las características del club. Donde noche tras noche pasan, detrás de los platos –ahora, los laptops- los pinchadiscos más finos del planeta con la maleta –y el disco duro- lleno de hits de techno ortodoxo.

Fuck Buttons no son cocooneros, ni siquiera ficharían por Kompakt, aunque quizás les encantaría a los dueños de Border Community o, quien sabe si a los de Ed Banger, también. Fuck Buttons son distintos, apuestan por un directo denso de electrónica tormentosa, creada con decenas de aparatejos y reproductores Playschool que manipulan en directo.

Tras el concierto de Times New Viking y Girls, en la [2], dentro de la programación Entre Primaveras, Nitsa remata la noche con la mejor electrónica experimental contemporánea. Con dos discos al mercado, ambos publicados por el prestigioso sello ATP Recordings, la prensa les alaba, y el público también. Yo de ustedes no me lo perdería!

Deconstruïnt Walkabout, el que han fet Atlas Sound w. Noah Lennox

Etimològicament, pop ve de popular, i ja és curiòs que aquesta abreviatura tant accessible, si més no, per les masses, s'hagi utilitzat tantes vegades, durant la història de la música contemporània, com a punt de partida de totes les experimentacions. Tant els Beatles com els Beach Boys ja introduiren melodies retorçades en estructures bàsiques de ritmes fàcilment accessibles. Concebiren el pop com una tela en blanc sobre la qual començar a dibuixar estructures delirants, mantenint-ne, sempre, la coherència.
En aquesta línea, artistes de rigorosa actualitat, construeixen una carrera que hereta aquesta filosofia i la eleva al seu màxim exponent. Tant Bradford Cox com Noah Lennox mantenen la tradició de la melodia agradable y onírica que sovint té el pop, per embriagar-la d'una estructura rítmica caòtica. Retornen als recursos utilitzats anys enrera per redefinir el pop, així com ho ajunten amb influències de rigorosa actualitat com poden ser el dub. Estableixen l'estructura rítmica com la base de les seves melodies. Això és pot veure clarament en el treball de Noah Lennox, tant en banda (Animal Collective), com en solitari (Panda Bear), i no en els seus primers treballs que sonaven una mica més experimentals, sinó en els últims, i clarament accentuable desprès de Person Pitch, el seu debut en solitari.
D'es d'aquest punt de vista, Bradford Cox no és tant retorçat com el seu homòleg, tot al contrari. Deerhunter és la tempesta, i Atlas Sound, el seu projecte en solitari, és a la calma. De fet, per aquest proper mes d'Octubre s'espera l'arribada al mercat de Logos, el seu tercer àlbum. L'expectació és màxima ja que, juntament a Animal Collective, Bradford Cox s'estableix com un dels artistes més actius de l'escena independent, i d'avantguarda. De moment, tot el que he pogut escoltar d'aquest home, tant en disc, com en directe, és un regal per la oïda. Un avanç de Logos és el que Pitchfork es va encarregar de difondre, fa tot just deu dies acompanyat d'una esgarrifosa, així com morbosa foto del fràgil Bradford Cox, que pateix una estranya malaltia.
Mark Richardson és el crític que s'encarrega d'escriure sobre Walkabout, el tema que comparteixen Noah Lennox i Bradford Cox, i puntua amb un 8 la cançó, fet que em sembla correcte. El que em crida l'atenció és la forta influència que Walkabout pren d'Animal Collective i la poca semblança amb altres treballs d'Atlas Sound. Així com els anteriors treballs en solitari de Cox, How I Escaped The Prison Of Fractals i Let The Blinds Lead Those Who Can See But Cannot Feel eren de clara influència paisatgística i electrònica ambiental, Walkabout, l'avanç del nou disc, és una cançó construida a través de repeticions de samplers igual d'oníric però amb un enfocament clarament menys melodramàtic que el dels seus anteriors discs, de clar contingut autobiogràfic. Fins i tot els coros de Walkabout assoleixen un nivell de melodia vocal calcada de les que surten dels discs d'Animal Collective. El loop que fa de base l'extreuen de What I'm Gonna Do, una cançó del 1966, de The Dovers , i delata la influència de Lennox, juntament a les ja citades floritures vocals. Probablement, l'únic element que ens recorda a Cox en la cançó és la presència d'atmosferes made in Atlas Sound, que intenten diluïr sense èxit la força tropical que adquereix el ritme de The Dovers repetit reiteradament.



Bradford Cox que no és massa de sustreure ritmes d'altres cançons per establir-les com la base de les seves propies composicions, en aquest cas elegeix un company que l'introdueix en aquest món. Alguna de les seves introduccions en el món dels loops, és evident en moltes de les seves composicions. Tot i això accentuarem la cançó Cold As Ice, del seu segon disc en solitari, i que considteux en una repetitiva base, però en aquest cas molt més onírica. Logos serà el seu disc menys autobiogràfic, i per que la feina feta com Deerhunter en Microcastle/Weird Era Co. era una continuació de la tristesa que destilaba Let The Blinds Lead Those Who Can See But Cannot Feel. Segons ell, "The lyrics are not autobiographical...I became bored with introspection"

Oníric, Maria Rodés o totes dues coses?

Me n'adono, a través del seu myspace, que Maria Rodés decideix, finalment, canviar el nom del grup. Ja mai més es dirà Oníric. El nom quedarà pel record, però ara l'important és el present. En aquest enllaç, ella mateixa, explica les raons per les quals ha pres aquesta decisió, i jo, a continuació us deixo amb la crítica del disc, Sin Técnica, que vaig fer per Mondo Sonoro, en el seu determinat moment.

Per cert, Maria Rodés va tocar juntament a Jordi Tost al cicle de concerts A Viva Veu. Podeu veure les fotos aquí.



Oniric
Sin Técnica
Cydonia

3’5/5

Oníric es el proyecto oficial de María Rodés, quien podríamos definir, informalmente, como líder de la banda. María es quien compone, pero el proyecto lo completan 4 músicos más, Oriol Grau, Tomás García, Nacho y Fanny. Aunque cabría hacer una mención especial para Andy Pool (Freud Quiere Bailar), que ya no está en la banda, pero que fue él, quien animó a María a darle cara y ojos al material que llevaba tiempo componiendo en su habitación. Todo ese material, acumulado durante tanto tiempo, es el que recoge su primer largo Sin Técnica. Once canciones de poco más de tres minutos cada una que construyen un disco corto pero intenso. En tan solo 28 minutos y 8 segundos se concentran multitud de ideas convertidas en una música que nace de un concepto de folk de autor (Culpa o Atrapado son claros ejemplos), pero que también incluye detalles de blues, en The Wild Girl o pinceladas bossa nova en canciones como Busy o Lies. Incluso atreviéndose con el Jazz, María adapta, en el tema Sin Técnica, el standard Summertime de George Gershwin. Engañándonos con el título, de técnica es precisamente de lo que va cargado el disco. Constructivamente, el bullicio de ideas, en cuanto a melodías, hace que el disco sea demasiado intenso en la primera escucha pero a su favor, la dulce tesitura María hace que éste fluya como si nada. Arnau Sabaté


(Per Mondo Sonoro. Si voleu escoltar una entrevista que els hi vam fer, click aquí)

Anímic, música de bosc

L'altre dia al Mai a la Vida mentres entrevistàvem a Aspet Weekend, l'Iñaki, que no havia dit res en tota l'entrevista, va saltar amb una intervenció molt interessant en la que responia a una pregunta que li havíem fet, l'Eduard i jo a la Laia i a l'Eva, en referència a les seves influències musicals. Les dues noies nomès responien grups estrangers típics, però l'Iñaki va afegir que ell notava que el grup estava fortament influenciat per la cançó catalana. Cal aclarir aquesta intervenció. Jo sempre dic que la música feta a Catalunya té un component autòcton en tots els grups. La majoria de les bandes s'influeixen d'una esència que, en molts casos, ve del cançoner tradicional. En el cas dels Anímic això és un fet evident. La seva música inspira tradició, esència natural. Sembla música feta al mig del bosc -de fet, s'hi fa-. El que més m'agrada és el que comento a la crítica de sota, que els temes cantats en català tenen una atmosfera teatral dramàtica. Al escoltar cançons com Marbre i Or, La Mort i El Riu, La Cabanya i, sobretot, el Curandero, que és una adaptació d'una cançó del besavi del baixista datada de finals del Sg XIX, la meva ment es teletransporta a una altra dimensió. Al tancar els ulls em trobo rodejat d'un context fantàstic -relatiu a fantasia- on els coros místics em situen al bell mig d'una rondalla o un conte popular.



Anímic
Himalaya


Folk Escénico. Entender que el Himalaya es para los monjes budistas, lo que la sierra de Montserrat es para los siete componentes de Anímic puede ayudar a entender mejor el significado de un álbum compuesto en comunidad, bajo un mismo techo, en una casa de Collbató. El pueblo donde comparten casa los miembros de Anímic yace rodeado en un entorno rural y medio montañoso. Este hecho es el que incita la creatividad que alimenta la extensa discografía del grupo, que para Himalaya han decidido enfocar hacia una vertiente más literaria. Los doce temas pueden interpretarse como historias que reciben una contextualización musical de acuerdo con el contenido lírico. Escrito, casi a partes iguales, en catalán e inglés, los compuestos en esta última lengua inglés inspiran una jugosa combinación de folk onírico y paisajismo cinematográfico. La fuerza la tienen instrumentos pero los detalles los aportan los aparatos electrónicos. Los escritos en catalán se ambientan en una atmosfera teatral dramática, reforzada por la fuerza de los coros épicos de canciones como El Curandero. La excepción que marca la regla se encuentra en temas como Les Fulles Fan Ocell, de corte crepuscular i optimista, i Àcid Nítric, tema que remite al nuevo folk de la escuela de bandas como Akron /Family. Arnau Sabaté





(Crítica per Go Mag que apareixerà al proper número de Juliol-Agost de 2008. Els Anímic estaran en versió reduïda tocant A Viva Veu el proper 16 de Juliol)

The Lions Constellation, Flashing Light

The Lions Constellation
Flashing Light
B Core

4/5

La primera vez que oí hablar sobre The Lions Constellation fue bajo la referencia de ‘Motown Noise’, etiqueta que describe un híbrido imposible pero que cobra sentido cuando escuchas como la banda consigue mezclar el groove del sonido Madchester con la crudeza del garaje primitivo. Hablar de The Lions Constellations significa hablar de referentes, más aun cuando descubres que el cuarteto catalán lo lideran los hermanos RJ Sinclair y Graham. Ambos con un claro bagaje musical en Tokyo Sex Destruction e It’s Not Not el primero y pinchadiscos residente de la [2] del Apolo, el segundo. Los que les conozcan sabrán que su gusto refinado por la música se decanta por un sonido que empezó a gestarse durante los 60’s, evolucionó por los 80, y en los poderosos 90 acabó de pulirse. El sonido en concreto tiene un denominador común, la psicodelelia que crearon bandas como 13th Floor Elevators y que luego grupos como Spaceman 3, durante los 80’s, se encargaron de pulir. En Flashing Light, The Lions Constellation, beben mucho de estas influencias y, además, las mezclan con un punto lumínico que recuerda a los Jesus and Mary Chain más ruidosos. El resultado es un disco que suena como si no hubieran pasado los años y que llega al clímax en los cortes 7, 10 y 11, los correspondientes a Where Did You Go, She’s My Eroine y My Girl, respectivamente. Si eres de singles, no te pierdas The End Of Our Days. Arnau Sabaté

(Per Mondo Sonoro, escolta el dic sencer al seu myspace)

Kiss Me

Crítiques del mes d'Abril

A continuació les crítiques del mes d'Abril que he escrit per Mondo Sonoro, H mag i, per primer cop a la meva vida, a Go Magazine (veure Rubinoos)

O+S
‘O+S’
Saddle Creek Rcds.

O+S es el curioso nombre de un grupo hasta la fecha desconocido por nuestras tierras. Provienen de Birmingham, pero lo curioso del caso es que no se trata del Birmingham del Reino Unido, sino de otra población de Estados Unidos, en Alabama. El proyecto nace de la idea original de Orenda Fink y Cedrik LeMoyne, ambos con otros proyectos musicales paralelos, al cual más tarde se unió Michael Patterson (Beck, Black Rebel Motorcycle Clu), quien produjo el disco. Aunque no hayan sido muy originales escogiendo el nombre de su primer disco, que han titulado igual que a la banda, si que han acertado musicalmente. O+S es un bullicio de creatividad y detalles paisajísticos con los que incluso llegan a rozar estilos como el shoegaze. Lo más fácil sería catalogar su música como pop ambiental, pero eso no sería justo ya que sumergirse en su disco implica impregnarse de ritmos electrónicos poco estridentes, voces tenues, melodías suaves e incluso algunos samplers que tiran en forma de loop para decorar el resultado.



The Horrors
Primary Colours

El single, Sea Within A Sea, fue el primer adelanto de Primary Colours, el segundo largo de esta banda inglesa que se peina como Robert Smith y calza zapatos de plataforma estilo Frankestein, uno de los mitos de la estética gotico-siniestra que tanto admiran. El single, de casi 8 minutos, adapta con elegancia el sonido que antaño popularizaron bandas de la New Wave inglesa, llegando casi a borrar la frontera generacional que separa estos jóvenes de Southend con sus mitos del pasado. El resto del disco no tiene nada que envidiar a este tema. De hecho canciones como Scarlet Fields o la mismísima Mirror’s Image que abre el disco, harían callar a todos aquellos detractores de revistas mainstream inglesas que tanto ayudaron a promocionar este grupo en sus inicios. Mientras bandas como Interpol se han ido descarrilando de la esencia del estilo. The Horrors hacen lo contrario, dan la vuelta a la tuerca que les acerca a Jesus and Mary Chain y les distancia de grupos quinceañeros.

The Von Bondies
Love, Hate and Then There’s You

2/5

The Von Bondies son de la opinión que ser Indie es sinónimo de persona con afinidad para la música complicada especial para momentos de melancolía. Jason, Don, Lean y Christy son jóvenes rebeldes que visten camisas blancas con corbatas negras estrechas y chupas de cuero, calzan deportivas, empuñan guitarras y hacen bailar salas de conciertos enteras a golpe de estribillos facilotes y ritmos puramente bailables. Con Love, Hate and Then There’s You firman su tercer album de estudio y se reafirman en la condición de estrellas para un público principalmente juvenil. En un disco en el que ni tan solo el título rebosa de creatividad, los de Detroit firman el contrato que permite a todos aquellos que hablan de música habitualmente, situar la banda en el mismo saco que otros grupos de post-punk de nueva ola. Riffs de guitarra rockeros, ritmos marcadamente acelerados y que juntamente a letras rebeldes de títulos tan sugerentes como Shout Your Mouth o I Don’t Wanna permiten crear coros épicos y divertidos de tararear en directo. No pienso que haya ningún tema con unas cualidades estrictamente diferenciales que permita crear un clímax en este disco, simplemente discurre en un mismo plano. En muchas ocasiones se las ha visto taloneando grupos grandes como Franz Ferdinan, Kasabian o The Killers. Si continúan a este paso, difícilmente podrán acceder al siguiente, el que les permita ser taloneados en vez de telonear.



Tetsuo
La ciudad de las Nubes

3/5

Detrás de cada canción hay una historia y detrás de cada historia un esfuerzo. Esta es la carta de presentación que Jordi, Rafa y Pedro, componentes de Tetsuo, adjuntan en el libreto que acompaña su nuevo disco, La Ciudad de las Nubes, un álbum que sirve la sinceridad en plato frío y que llama la atención por fundamentar cada tema con algún tipo de existencialismo. Justifican el disco como un conjunto de historias que pasaron a la banda durante el verano de 2007 y a través del cual posibilitaron que pudiera llegarse a componer un álbum, que casi podría definirse como conceptual. La apertura de un blog en Internet, que encontraréis fácilmente tecleando en Google el título del disco, ha servido a la banda para acabar de perfilar el significado total del disco. El blog sirve de puntal para que todos aquellos interesados en descubrir la esencia y el significado que empujó la banda a componer cada tema. Musicalmente, La Ciudad de las Nubes es un disco que texturiza las historias y con la ayuda del hilo conductor, que sirve como guión, se pasa de fríos riffs de guitarra a energéticos cambios de ritmo, parones, voces que rozan el screamo y momentos instrumentales memorables.



El Petit del Cal Eril!
I Les Sargantanes Al Sol
Bankrobber
4/5

Las influencias del weird-folk anglosajón están empezando a arraigar fuertemente en nuestro país de una manera ciertamente curiosa. Se mantienen las formas y se mezclan con elementos autóctonos de la tierra. Joan Pons, viene de Guissona, un pueblo de la provincia de Lleida que puede que les sea familiar por cuestiones extramusicales y, donde el paisaje, el ritmo de vida cotidiano y la familia ha sido lo que, en buena parte, han inspirado la música de El Petit del Cal Eril des de su primera maqueta hasta I Les Sargantanes Al Sol, su primer largo. Joan es técnico de sonido de profesión, escusa que le ha permitido crear un disco a medida de sus posibilidades. Aunque pudiérase definir como un disco casero, el sonido no le delata. La meticulosidad con la que la banda cuida los detalles, hacen de éste, un disco con constantes referencias al contexto que inspiró la creación del mismo. Las letras dibujan escenas típicas de la vida en un pueblo, así como te permiten cerrar los ojos y oler a tierra mojada o a fruta fresca. Discurriendo pausadamente, tras una breve intro y el sonido de unas campanas, el disco empieza oficialmente en el minuto y medio de la segunda canción. Instrumentos tradicionales se mezclan con sutilezas electrónicas, guiños a antiguas canciones folklóricas y coros infantiles.

The Rubinoos
HodgePodge

Batiburrillo es la definición que aparece en un diccionario inglés-español cualquiera cuando alguien busca el significado de la palabra anglófila HodgePodge, que además de significar colección heterogénea, es el título elegido por la legendaria banda norteamericana The Rubinoos para titular su último trabajo, que en España edita WildPunk Records. The Rubinoos son un grupo de California surgido unos años después que la que la British Invasion hiciera tambalear los intereses de la música popular norteamericana. Tocando a la sombra de los grandes, fueron conocidos abanderados del género powerpop y sucumbieron durante los 70’s con magníficas construcciones pop que nada tenían que envidiar a los estribillos pegadizos de bandas como Los Beatles o The Hollies. El esmero en las armonías vocales que se aprecia en muchos temas incluso puede acercarles a la magnificencia sonora de sus paisanos Beach Boys. Lo anteriormente comentado, en referencia al batiburrillo, hace referencia a la estrecha relación que existe entre el título del disco y el material que éste recoge. En su mayoría rarezas grabadas en distintas épocas de la banda, que hasta el momento solo habían sido editadas en Japón, junto a versiones de artistas como The Raspberries (Cruisin' Music) o Frank Zappa ("Absolutely Free").

Friendly Fires, FIB, Section 25 i altres coses que cal saber

Veig que avui, el festival comandat per l'imperi Morán, saga madrilenya que va començar a invertir fa una quinzena d'anys al litoral de la costa castelloneca, anomenada del Azahar, per crear el perimer macro festival de la península, ha confirmat una sèrie de noms de segon pla que se sumen al mainstream dels Oasis, The Killers, Franz Ferdinan & Co.

El tema és que entre els grups, s'hi troben els Friendly Fires, un grup del qual vaig fer una crítica a la revista H mag.

No se si fa quinze anys haguessin vingut al festival, ni tampoc se si, en el cas d'haver-ho fet, tocarien al, ja desaparegut, escenario Maravilla. De totes maneres, hi ha una curiositat relacionada amb el grup que em va sorprendre molt, i que va en referència al nom de la banda. El van pendre d'una cançó titulada així d'un grup de post-punk anomenat Section 25 que, tot i compartir segell amb grups de la talla de Joy Division i New Order a Factory Records, durant la època van passar bastant desaperçebuts.

La qüestió és que, des del meu punt de vista, Section 25 fan una música bastant més atractiva que la que toquen els Friendly Fires. Sonen realment obscurs, transmeten fredor i, això es demostra al vidioclip que adjunto a continuació. És d'un tema anomenat Looking from a Hilltop (Version 2), on el que més m'agrada, és la capacitat que tenen el sintetitzadors, juntament amb la veu de la noia, de transmetre aquesta puresa en el so, que és fred com el tall d'una espasa.

El vaig estar escoltant en repeat durant una temporada i avui, aquesta notícia m'ho ha fet recordar. Encara tinc els pèls de punta...

1. Nombre del disco: Friendly Fires
2. Nombre del autor: Friendly Fires
3. Discográfica: XL Recordings
4. ¿Quiénes son? Tres ingleses que empezaron juntándose para tocar en la universidad y que actualmente tocan en festivales multitudinarios. Fans incondicionales del post-punk de Section 25, de los cuales adaptan su nombre de una de sus canciones. Actualmente han cambiado los pedales de distorsión por una caja de ritmos y un equipo de percusión.
5. ¿A qué suena? Aunque en temas como ‘Jump in the Pool’ hagan un amago de ritmos tribalo-progresivos a lo Animall Collective enseguida te das cuenta que lo suyo consiste en dejar lo abstracto de lado y apostar por algo más bailable. Samplers electrónicos, mucha percusión y guitarras fresquitas.
6. ¿Su punto fuerte? Hacen la música ideal para el momento adecuado, la que se baila en las discotecas de moda. Por afinidad podrían compartir cartel en el mismo festival con Dirty Projectors y Midnight Juggernauts.

7. Te gustarán si te gusta: que se mezcle épica y profundidad a lo Cut Copy con la simpatía de Hot Chip. Si eres fan de Ladytron o del post-punk claroscuro.

8. Autor de la crítica: Arnau Sabaté