Oh! Cake & The Cookie

Dijous que ve toquen Oh! Cake and The Cookie A Viva Veu. Un grup força curiós que vaig entrevistar pel Mondo Sonoro a principis d'estiu. Resulta que alehores els hi vaig comentar que estàvem tancant el concert de Nadal i els hi vaig comentar si els hi interesava tocar, van dir que sí, i ahor em vaig assabentar que aquest és el seu primer concert "de veritat, en un bar de grans".

La Belize és una nena de deu anys que tot i la seva curta edat ja té dues cançons editades en un recopilatori, un disc en preparació, i ha participat en els corus del disc de Bedroom. Juntament a la Núria Muntaner han fet un grup que es diu Oh! Cake & The Cookie, de pop naïf, i aparentment infantil que quan hom l’escolta, permet decobrir-li un univers de sensacions perdudes en el temps, i l’evolució de la vida. Tal com elles m’indiquen, les seves cançons tracten d’amor i de fantasia. Tot i que les que actualment es poden escoltar aprofundeixen en la temàtica dels aliments, com a conseqüència del primer volum del disc minimúsica que s’acaba d’editar. La Belize passa l’estona distraient-se amb tot el que troba, fent la guitza a en Carlos d’Internet 2, que ens acompanya al costat, i quan li pregunto què fan, un sobtat atac de vergonya l’hi impedeix contestar. Però la Núria, que és al seu costat, li treu les paraules de la boca, “Explica-li va, Què és Oh! Cake & The Cookie?”. (Belize) “És un grup de música...”. Ah! Molt bé, i tu què hi fas? La Belize continua una mica vergonyosa, i m’explica que canta i fa percussions. Quan semblava que la cosa no arrencava, de sobte, la Belize oblida la vergonya, i es posa a xerrar, “La Núria toca el piano, i també canta, i fa les cançons..bueno, jo també...”. I aleshores és quan els hi pregunto sobre els inicis del grup, i la resposta de la Belize aixeca somriures entre tots els assistents, i deixa en evidència la meva poca creativitat periodística “Jolin, sempre la mateixa pregunta...”. Últimament, i gràcies a l’empenta del projecte minimúsica, els han fet moltes entrevistes. La Belize sembla atabalada de tants periodistes, però això no és raó de pes per no contestar-me, (Núria), “Jo la conec des de que va nèixer perquè els seus pares són amics de la meva germana. Jo li havia fet algun cangur, i haviem coincidit força. Amb la meva germana sempre coincidiem en assenyalar que era una nena amb molt potencial. La Belize és una petita artista...”. La última frase de la Núria la pot corrobarar qualsevol que passi una tarda amb elles dues. Ella té moltíssima activitat, poca por escènica, i això s’afegeix als coneixements musicals obtinguts, (Belize) “Fa dois anys tocava el piano, i ara a l’escola també faig música. A més, estic apuntada a la coral de l’escola”, que juntament conformen el còctel Oh! Cake & The Cookie. Personatges del bosc, monstres, gats, gossos,pretzels, pastissos i fulles d’arbres. Tot té lloc a les cançons del projecte personal de la Núria, al qual s’hi ha afegit la Belize. (Núria), “Jo tenia un projecte personal que es deia Oh! Cake. La Cookie va arribar l’estiu passat.”, i continua explicant “Eren cançons infantils que parlaven d’amor, i que tocava a casa meva amb el piano. Vaig gravar una maqueta, i la vaig regalar als meus amics. La sort va permetre que una de les cançons aparegués a un recopilatori de La Colazione i sonés per Radio3. A l’arribar la Belize, tot va cobrar un sentit”. La Núria sembla haver trobar la seva mitja taronja en l’àmbit artístic que li permet explotar les qualitats d’ambdues, i experimentar sensacions que la omplen. De moment tenen clar que volen un disc, “Serà una gravació casolana. Ens tancarem a casa, més que anar a un estudi a gravar. Si estem a casa és més còmode, per la Belize és més fàcil”. També tenen clar que volen un vídeoclip,”Farem el videoclip de Autum, al bosc, barrejant animació amb realitat. L’està fent la gent d’Escándalo Films, i serà en plan fantàstic, un bals amb animals i demés”.

Retalls inèdits d'una conversa amb Els Trons, Vol. 2 (Bar Ramón, Barcelona. 20.03.2010)

- Vam fer el Are You Gonna Miss Me? que, traduïda paraula per paraula sonava de collons.

- Si, cantat en català, haguèssim sonat malament, segur que haguèssim passat desapercebuts. Però com que resulta que sonem de collons, doncs ha tingut èxit.

- Totes les cançons son traduccions literals -algunes més que d'altres-. Ens hem esforçat al màxim en treure'ls-hi el sentit més acurat. Perquè segons per qui, una cançó pot tenir un significat o un altre. - Hi ha cançons com per exemple "El Noi del Carrer", que no son literals. La original és "I Ain't No Miracle Worker" que literalment seria "treballador miraculós", i nosaltres ens vam basar en la versió italiana. Però només amb el títol, perquè la resta de la cançó és la versió original. La cançó en italià és I Corvi.

Retalls inèdits d'una conversa amb Els Trons (Bar Ramón, Barcelona. 20.03.2010)

L'altre dia vaig entrevistar a Els Trons per un Dossier Catalunya que sortirà publicat al proper número del mes de Maig de Mondo Sonoro. Avui estava transcrivint l'entrevista que els hi vaig fer i me n'he adonat que durant l'entrevista, hi va haver un detall que aquell dia em va passar desapercebut però que analitzant-ho a fons m'ha fet reflexionar força.

No sóc en absolut un col·leccionista, ni tant sols un expert en música dels seixanta, ni tant sols de la que és feia al meu país en aquella època. Però gràcies al Marc, guitarrista de Els Trons, me n'he adonat del valor que tenia aquella música. Molt més enllà del que suposava el fet inèdit d'interpretar un estil de música tant underground com el rock'n'roll, o la psicodèlia en èpoques de dictadura. Tots plegats èren uns avançats per aquella època, i gràcies a això he pogut recuperat alguns posts de blogs que trobareu amagats entre el text que he transcrit literalment, a continuació...


Aquí podríem trencar una llança a favor d'en Passola. El que deia en Passola, un dia que vaig parlar amb ell -abans que morís-, era que la seva voluntat -Bé, la seva voluntat, i la de tota la gent d'Edigsa i tots aquests- era normalitzar l'escena musical catalana i equiparar-la a les condicions d’un país normal que no pas en les que estava la Catalunya sota la dictadura. Tenien al Guardiola, a la Alita, que ells recuperaven molt més això que no pas Els Dracs, i tots aquests. La seva idea, però, era que tots els compradors de música catalans tinguessin accés a música en català de tots els estils. Per això van crear tots aquests grups, més o menys prefabricats. La majoria eren grups que cantaven en castellà o en anglès, i els agafaven i els hi posaven noms que sonèssin a onomatopeies i que sonèssin molt pop. Per exemple, Els Dracs, Els Corbs, Els Xocs, The Bonds, etc. Els hi donaven un repertori i els hi traduïen, o alguns se'ls traduïen ells mateixos. Una mica, nosaltres, en cantar en català doncs també una mica la idea és portar-ho aquí. Hi ha hagut revival de totes menes però potser d'això mai n'hi havia hagut.

Skatalà, the skinhead years

El mes passat vaig publicar un article pel retrovisor de Mondo Sonoro. Em van demanar que fos sobre Skatalà, i tot i que el que veureu publicat a la revista és molt més curt, el que trobareu a continuació és una extended version de la que van publicar, que va haver de patir greus retallades. Aquesta és molt més agraida de llegir, i la vaig fer amb molt carinyo ja que em va fer tornar enrere en el temps...als meus Skinhead years...un titular molt més original que no pas el que van ficar des de la redacció, i amb el qual no em sento massa còmode (Jamaica a la sang...)

Si voleu més informació sobre en Quique Gallart us recomano visitar el blog d'en Kiko Amat, ja que li va fer una entrevista molt interessant on ell explica què significa per ell haver estat el primer Skinhead d'Espanya (probablement)



Skatalà és un dels grups més significatius de l’underground català dels vuitanta, sobretot per ser una de les primeres bandes en importar i reinterpretar, a nivell personal, el que aleshores s’estava gestant a les illes Britàniques. Van crear escola, i ho van fer en català, al marge de subvencions. Dotze anys més tard de la seva separació tornen als escenaris per celebrar el seu vint-i-cinquè aniversari amb una gira que els durà arreu de Catalunya.


L’any 1984, al barri londinenc de Chelsea, hi havia un grup que cantava allò de “Skinhead is not a fashion, it’s a way of life”. Una declaració d’intencions que desseguida va convertir-se en la consigna revolucionària del jovent de classe treballadora que s’oposava al mercantilisme que anys abans havia posat de moda el No Future. El seu clam era simplement anti-social, i d’aquest moviment aviat en vàren derivar unes consignes culturals pròpies que fusionaven elements estètics i culturals propis. Aleshores tots creien en aquelles paraules, però només alguns -els més forts-, acabarien fent d’aquelles paraules una realitat. En Quique Gallart, de camí als 51 anys, ha seguit, al peu de la lletra, l’essència que transmetia la tornada d’aquella cançó de Combat 84, abans mencionada. Em reuneixo amb ell a les oficines que Buenritmo, la promotora que gestiona la tornada als escenaris d’Skatalà, té al centre de Barcelona. Abans de parlar de la gira del vinticinquè aniversari, ens n’anem enradere en el temps. En Quique em parla dels anys de la Barcelona pre-Olímpica, i de quan ell era el primer skinhead de Barcelona, “El que em va cridar més l’atenció dels skins era que era quelcom diferent, i jo no volia ser igual que la resta”, asegura en Quique en referència a una subcultura odiada per gairebé la societat en general. “En aquella època ser Skinhead era realment underground”. Fa referència a l’estètica, sobretot als tattoos i al respecte que va haver de guanyar-se amb el pas del temps. Realment fascinat per aquest cultura britànica, l’any 1985 funda la banda, juntament a en Roger (posteriorment Frontpilsen), Pitu (Subversiva77), Jorgito (Dr. Calypso) i Pep. Tres anys després arribaria la seva mítiquíssima primera gravació, “Fent d’Aquí”. “A casa nostra, Skatalà va tenir un paper fonamental en el sentit estricte de la paraula. Vam ser els primers i, per tant vam posar els fonaments per als que van venir desprès”. En Quique assegura haver enregistrat aquella demo amb mètodes realment rudimentaris i en una sola sessió. “Fent d’Aquí” es caracteritza per ser un dels primers discos a la península on s’hi intueixen influències de la 2-Tone anglesa, juntament a alguns temes inèdits d’Oi! com “Bolingas” o “Sin Cerveza No Hay Revolución”, cançons que amb el pas del temps i la consolidació de la banda amb una formació centrada en els vents, acabarien perden pes. Quan ens centrem a parlar estrictament de gèneres, es mostra concís, “Nosaltres volíem sonar com els Specials o Bad Manners però no en sabíem més ni tampoc teníem els mitjans”. En referència als primers anys, quan parlem de la resta de bandes que van començar a proliferar des d’aleshores, en Quique assegura, “Son molts els grups formats en la dècada dels 90 que reconeixen obertament la nostra influència en la decisió de muntar una banda. També una bona part d'aquella generació, declara haver començat a interessar-se per aquests sons a partir de haver sentit a Skatalà”. Després de “Fent d’Aquí”, la formació d’Skatalà es renova completament. Tant, que els únics membres permanents d’es d’aleshores seran en Pitu i ell, els dos cantants. “Els membres que farem la gira serem la formació més estable de Skatalà, desprès de la marxa del Manel al 92. És la que va gravar els 3 discs següents. "Borinot, Borinot" (1993), "Un de Nou" (1995) i el directe a Padova (1998) i la que va durar fins a la separació del grup (1998) amb Peña (bateria), Iñaki (baix), Manyà i Xungu (guitarres), Natxo Romero i Jordi Prats (saxos) i Joan Diaz (teclats) més els 2 cantants. Per qüestions d'agenda, en Joan no podrà fer tots els bolos i en els que falti serà substituït per Pablo del Dr. Calypso”. Un altre acte commemoratiu dels vint-i-cinc anys d’història del grup, a banda del retorn als escenaris, és l’edició d’un àlbum tribut, “Seran 18 grups fent versions de temes d’Skatalà. El ventall és tan obert que va des de la rumba de Tachita de Collblanc fins el funk de Fundación Tony Manero, passant per clàssics com Dr. Calypso o Subterranean Kids, o grups de les escenes actuals d’estils com el power pop (The Bite, Lost Men Service), punk (The Capaces), Oi! (Opció K95, Secret Army), com de l'entorn reggae/ska (Soweto, The Cabrians, Thorpedians)”. El retorn als escenaris d’Skatalà, després de dotze anys de silenci es deu, segons Quique, perquè “és una oportunitat única per a les noves generacions de poder veure en directe a un grup que el propi públic ha convertit en "llegenda", i de fet em comenta la extranya sensació que li suposa que la majoria del públic que assisteix als seus concerts sigui majoritàriament juvenil. D’atra banda també assegura que és un orgull que tothom coregi les cançons en directe, quelcom molt difícil d’aconseguir, en els temps que corren avui en dia. Arnau Sabaté

Opinions sobre Skatalà...

Quan era jovenet tenia moltes predileccions discogràfiques. N'hi havia una que sonava cada estiu, i curiosament aquest mes passat els del Mondo Sonoro em van demanar fer-ne un reportatge.

Us deixo amb les opinions que formaven part del meu reportatge sobre Skatalà, publicat al nº177 de Mondo Sonoro. Les vaig demanar a persones que, d'una manera o d'una altra, van tenir un estret vincle amb la banda. Com que al Mondo Sonoro les vaig traduir al català, he cregut convenient que aquí el millor era posar-les en V.O.

La primera és de Carlos Azagra, un dels dibuixants més imprescindibles en la cultura punk i skin dels vuitanta i noranta. Una vegada em van dir que dibuixava per privar. Aquell dia, Azagra va esdevenir un ídol...



La 1ª vez que me enteré de la existencia de Skatalá era de cuando vivía en Santa Coloma de Gramenet,por aquel entonces frecuentaba el bar musical 1981,donde se juntaba la gente de "Olor Insoportable"(posteriormente Pisando Fuerte) y donde se fraguaba el PGB,allí fué donde escuché algo de ellos,sobre todo aquella mítica maqueta con los colores blau-granas:una cassette con el rojo en una cara,azul por la otra. Por aquellas fechas el ambiente del movimiento OI! estaba enrarecido por la aparición de skins nazis y la desconfianza a que se metiese todo en el mismo saco. En Barcelona estaba Decibelios,que junto a Kortatu,levantaban la bandera del OI!,no sin ciertos recelos por parte de mucha gente,que seguia confundiendo la estetica skin. Con la venida de Skatalá se afianzó ese espacio de sonidos contundentes,además era de las primeras veces que se oía en catalán-y sin subvencionar- (más tarde aparecerian Doctor Calypso y demás...)

En la Festa de la Lletra A,en las cocheras de Sants,Skatalá tocó junto a Pisando Fuerte-que sustituian a Virus de Rebelíon (de Larraga,Navarra) que no se presentaron,siendo aquella vez una de esas veces en que aquello se convirtió en una fiesta del OI!OI!OI!,a-un lo recuerdo, tambien tocaron aquella noche Tijuana in Blue,que también les gustaban lo de la fiesta OI!. De esos dias es de lo que más me acuerdo,de la reivindicación del jolgorio,de la clase trabajadora,de la fiesta,de la cerveza,del Barça y del desparrame,en definitiva,de pasarlo bien.

Boliche, amic de la banda i mític en la escena punk dels 80 per tocar a la banda Frenopatics també va escriure.



Como si fuera ayer, sus temas perduran en nuestra memoria impregnados de ese olor a local de ensayo, sudor, risas y cervezas (y no por ese orden precisamente). Desde su maqueta de 1985, con Manel, Pep, Jorgito, Roger... hasta sus formaciones mas recientes (con Quique y Pitu siempre a las voces), Skatalá no son solamente un grupo de viejos amigos sino una banda de la que Barcelona debería sentirse orgullosa.



La següent opinió me la va donar en Dani, creador del fanzine Alpha Boys.



Vaig anar a comprar l' "Un de nou" (en cassette) al Daily Records a principis de 1996, amb la cama enguixada i una pluja impressionant. Amb 14 anys no podía preveure que Embolingats o Monigot pasarien a ser part de la banda sonora de la meva joventut, ni que la meva generació sería la darrera que podria gaudir dels Skatalà en directe abans de la seva dissolució. El que si puc garantir a 2010 és que Skatalà van ser responsables directes de que servidor, així com molta gent, s' hagi convertit en un fanàtic de la música jamaicana. O algú havía sentit parlar de "ballar rocksteady" abans d' escoltar p-iaio bugia? Llarga vida a Skatalà!

La Crònica del Primavera Sound Vs Tanned Tin

Aquí va la crònica que he fet del Primavera Sound Vs Tanned Tin, un festival tret de la màniga de les organitzacions de tots dos festivals, que no ha sigut gaire freqüentat, però al qual m'ho he passat molt bé. Sobretot pel Cheval Sombre, un tio que em va flipar....un estil de folk psicodèlic amb pinzellades de cosmic rock i dream pop, d'aquest que tant mola...us deixo un vídeo i la crítica a continuació....




Las propuestas musicales siempre son bienvenidas, sobretodo si vienen de la mano de gente con criterio; en este caso, Primavera Sound y Tanned Tin. Sin embargo, parece que el público barcelonés no lo captó así porque la entrada fue más bien baja en ambos días de celebración del festival. Llegando casi a llenar un poco más de la mitad del aforo solo cuando tocaron los cabezas de cartel de los dos días. Tanto el viernes, como el sábado el mérito del reclamo se dividió en dos. Por una parte dos nombres suficientemente visibles y estimulantes como Spectrum, que venían a mejorar su reputación tras el descafeinado concierto que dieron en la pasada edición del Primavera Sound, y Black Lips, que han encontrado en Barcelona su segunda residencia. Dos nombres más reforzaban el segundo plano del cartel, Dean & Britta (ex-miembros de Glaxie 500) y Early Day Miners. La presencia de público fue escasa, sobretodo durante las primeras actuaciones, y fue una lástima sobretodo el viernes, por que el concierto de Cheval Sombre, que solo disfrutaron una cincuentena de personas, fue espléndido. Acid Folk, Slow-core narcótico e invitados de lujo: Dean Wareham y Britta Phillips (ambos, miembros de Galaxie 500 y Dean & Britta), y la aparición estelar y esporádica de Sonic Boom que se encargó de los detalles atmosféricos y narcóticos en un par de canciones. La sorpresa y la fiesta fueron Box Elders, un trío de nu-garage/punk, que demostraron defender mucho mejor “Alice and Friends”, en directo que en disco. Después de su locura llego el turno de Dean & Britta, en un concierto que mejoró con el transcurso de la actuación y que se hizo más ameno gracias a la recuperación de hits como Strange y Ceremony de Galaxie 500, la banda que les hizo grandes. El último concierto del día fue el de Spectrum, en un set parecido al que tocaron en el Primavera Sound’09, aunque mucho más acertado por las características de la sala y las circunstancias en las que tocaban. El concierto se alargó hasta casi las dos de la madrugada y el lunático de Sonic Boom lo dividió en dos partes. Una de más densa y pesada donde cayeron indiscriminadamente canciones de Spaceman3 como Suicide o Honey, y otra de más rítmica aunque llena de cuelgues cósmicos y distorsión en que hizo una curiosa reinterpretación de Wanna be your dog de los Stooges junto a lowdown de Wire y otros clásicos indispensables de su discografía (How You Satisfy Me, Transparent Radiation…). El Sábado, en general, fue más flojo de asistencia excepto en la parte final de la actuación de Early Day Miners y el concierto de Black Lips, que congregaron a las jóvenes promesas del rock’n’roll en las primeras filas para el bailoteo y el pogo localizado. Grouper, en cambio, tocó delante de una veintena de personas su folk ambiental y triste para dejar paso a una actuación divertida, aunque poco convincente de Munch Munch, que malauradamente pecan de poca personalidad artística. Al contrario que Early Day Miners, un propuesta muy acorde con la línea artística del Tanned Tin, que hicieron un fantástico recital presentando The Treatment, su sexto disco de estudio, y que les consolida como una de las propuestas más firmes del ambient rock norteamericano. Black Lips pusieron el punto y final del festival, abriendo con una curiosa versión con mucho delay de Cold Hands, y fueron despachando clásicos de sus anteriores discos (Katrina la más aplaudida) y otros más actuales, destacando Drugs como hitazo absoluto. Cerraron con los Bad Kids y anunciaron que estarán en el próximo primavera (pero con su nueva banda!) Arnau Sabaté

(Crònica per Mondo Sonoro)

Chinese Christmas Cards, feina ben feta...

El de l'esquerra és en Mario, i el de la dreta en Joan. Tots dos son Chinese Christmas Cards, els artífex d'un dels grups més sorprenents de pop electrònic emergent. A continuació teniu les preguntes que els hi vaig fer per preparar l'entrevista. Òbviament aquesta no és l'entrevista que presentaré a Mondo Sonoro, però és l'entrevista original. Sense talls ni sensures. Penso que no hi ha una manera millor de coneixer-los....





El pop electrónico está de moda? O eso no importa?

(Mario) ¡Y tanto que está de moda! De hecho, cada vez se incorpora más la electrónica no sólo al pop sino también al indie o al punk más popero. Pero nos da igual, no hacemos uso de la electrónica porque esté de moda. Estaba claro que si Joan y yo empezábamos a hacer música juntos íbamos a mezclar el songwritting con la música electrónica. ¿Qué íbamos a hacer sino? No fue algo premeditado, lo que cada uno aporta a CCC es lo que le gusta y lo que mejor sabe hacer, por eso, aunque las modas vayas y vengan, vamos a seguir en esta línea durante bastante tiempo. Al fin y al cabo, el sonido de CCC es el resultado de nuestras distintas formas de ver la música y de nuestras trayectorias musicales anteriores.

Es verdad que la electrónica está en crisis? (de originalidad..)

(Joan) Yo no pienso que esté en crisis. Si que es verdad que en los tiempos que corren todo el mundo está usando la electrónica para hacer música pero también es algo con lo que las actuales generaciones se sienten identificadas. Por eso, es ahora cuando entra en juego la creatividad de cada uno para hacer cosas nuevas que te distingan del resto, lo cual es un handicap para los que estamos inmersos en este mundo. Pero bajo mi punto de vista la electrónica no ha parado de evolucionar y cada vez van saliendo grupos y sellos nuevos con propuestas interesantes e innovadoras.

Cómo os conocisteis? Que os vincula?

(Mario) Nos conocimos en 3º de la ESO, en el colegio. Por aquel entonces no tenáimos planes de hacer música juntos. De hecho, sólo recuerdo que intercambiábamos música. Recuerdo que Joan me enseñó “So Much Love” de Thomas Bangalter y “All Night Long” de Lionel Ritchie, yo le enseñe “Such Great Heights” de The Postal Service. Pero hará un par de años, durante un viaje a Hossegor, que fue cuando vimos que podíamos hacer algo juntos. Joan puso en el coche algunos temas que había producido en su casa, y yo por aquel entonces componía y cantaba en mi antigua banda, Accident Recover. Entonces nos dimos cuenta de que, al margen de nuestros otros proyectos, si poníamos en común nuestras ideas podíamos hacer algo distinto y que aquí en españa no se hacía.

(Joan) Lo que nos vincula es que somos musicalmente complementarios. Mario es una mitad y yo soy la otra, y la unión de las dos es lo que hace que CCC suene así. 



Cuales son vuestros gustos musicales. Cuales compartís y cuales no?

(Joan) Pues la verdad es que son muy variados, por supuesto nos gusta la electrónica de club , el pop, y muchos grupos de 70’s y 80's…en fin, casi de todo. La verdad es que compartimos casi todo y sobre todo el indie electronico, aunque cada vez mas pop, de sellos como karaoke kalk o morr music Aun así, por ejemplo, Mario no es muy fan del hip hop que a mi me gusta como yo tampoco lo soy de sus raíces punk.

Creo que uno de vosotros es dj. Hablarme un poco de este proyecto y comentarme si creéis que vuestro proyecto encaja en el ‘mundo clubber’. (molaría que Mario, que creo que no pincha, diera su opinión sobre el mundo clubber)


(Joan) Si, actualmente tengo dos proyectos aparte de CCC. Soy Dj y productor en solitario bajo el nombre de Nighty Max, con el que hago un rollo más disco house y también pertenezco al colectivo YALL, un grupo con el que organizamos fiestas en diferentes salas de Barcelona, pinchando electro, hip hop y disco house entre otros, en las que proyectamos las audiovisuales a través de unas teles antiguas que llevamos a todos lados, es decir, una puesta en escena totalmente diferente...

Respecto a si nuestro proyecto encaja, creo que no. Si que es verdad que CCC tiene el toque el electrónico que lo hace más fresco o bailable, pero creo que se aleja un poco de lo que la gente busca cuando sale de fiesta. Aun así, nos estamos planteando hacer algo para poder hacer que la gente disfrute de CCC también de fiesta.

(Mario) Nunca he estado demasiado metido en el mundo clubber y para mi significa salir de fiesta y pasarmelo bien con mis amigos. A nivel musical, siempre he creído que los DJ’s cuentan con algo con lo que el resto de grupos no solemos contar en nuestros directos y que no estaría de más; y es que a cuántos de los que hemos tocado a las seis de la tarde en un garito no nos hubiera gustado que el público llevara tres o cuatro copas encima? Lo clubber es fiesta, desfase, y diversión, por eso nos gusta tanto a todos y nos volvemos tan locos cuando ponen ese tema que tanto nos gusta. 



Trabajáis mucho vuestro aspecto gráfico. Comentarme un poco al respecto (vídeos, imágenes, etc)

(Mario) En realidad no lo trabajamos tanto. De hecho Joan suele decirme que ya me estoy pasando de tanto pintar jaja. Todo se remonta a cuando empezamos. No teníamos ninguna foto de los dos para publicar y no había otra opción, tuve que hacer un dibujo. A partir de ahí se ha convertido inevitablemente en algo característico y he ido haciendo otros para compartirlos con la gente que nos escucha. Seguramente, el hecho de hagamos la musica en casa, nosotros dos solos y que todo sea tan propio y personal es lo que nos lleva a hacernos nuestros propios logos y diseños. Va un poco en la línea de nuestra filosofía como grupo.

Aun no habéis hecho ningún directo. Por qué? (molaría que explicarais ‘la presión’ de vuestros amigos, etc.)



(Joan) Aún no hemos hecho ningún directo porque hasta ahora no habíamos decidido ir a tope con el proyecto y volcarnos plenamente. Hasta ahora CCC había sido una banda imaginaria, un proyecto puramente de estudio, y el directo era algo que no estaba en nuestros planes.
Pero durante este tiempo la gente se ha mostrado muy receptiva y satisfecha con nuestra música y ahora sabemos que son muchas las personas que tienen ganas de vernos en directo. Las expectativas están muy altas, y no es que estemos presionados, pero no haremos sonar los temas en vivo hasta que no estemos listos. Las ofertas de conciertos, por eso, ya han empezado a salir y en breves empezaremos a publicar alguna fecha para los próximos meses.




Como estáis preparando vuestro directo? (distinguir un poco entre instrumentos, posibilidades de añadir a más componentes, detallar vuestro equipo, etc.)


(Mario) De momento estamos Joan y yo preparando el directo. Joan es el que se va a encargar de las bases, los efectos y los sintes y yo me voy a encargar de las guitarras y las voces. Sólo somos dos, pero queremos que nuestro directo sea una imagen fiel de lo que son nuestros temas en realidad. Hasta que no tengamos dinero para comprarnos los sintes molones que nos gustaría tener, usamos emuladores para tocar los sintes a través de teclados midi. Para las bases y los efectos utilizaremos Abelton live y pads. De toda la parte electronica, como ya he dicho, se encarga fundamentalmente Joan, yo me encargo de las guitarras, de las voces y de algún teclado facilón.

De momento lo estamos preparando así, si vemos que es necesario, quizás pensemos en incorporar a un batería o a alguien que toque el bajo para los directos, pero ya se verá.

Como preparáis vuestra música (Hablarme del home Studio). Como la construís (Aparatos, instrumentos usados, etc)

(Joan) Todos los temas los grabamos en mi casa, aunque desde hace poco también grabamos alguna cosa en casa de Mario. Las canciones nacen en acústico. Mario trae unas ideas, unos acordes, un riff de guitarra, una melodía de voz…y a partir de ahí se trata de dejar volar la imaginación. Grabamos guitarras acústicas y eléctricas y luego nos sentamos delante del ordenador a añadir lo que sea y a darle forma a la canción: sintetizadores, teclados, bajos, bases electrónicas….Las canciones cambian y cambian hasta que no estamos satisfechos con el resultado, un resultado que normalmente se aleja de lo que era la idea original de cómo iba a ser ese tema.

(Mario) Solemos grabar sonidos reales a modo de percusiones y efectos. Sprays de desodorantes, tijeras, mecheros, cremalleras o tazas de vaters son algunos de los sonidos que hemos utilizado. Ahora falta que los encontréis en las canciones….. Al fin y al cabo se trata de producir en casa, así que tenemos toda la libertad del mundo para hacer lo que queramos y darles todas las vueltas que queramos a las canciones. Lo único que nos faltaría es poderle dedicar un poco más de tiempo porque nuestros horarios son completamente opuestos.

Fuck Buttons #2

Aquesta és una de les primeres crítiques que vaig fer per Mondo Sonoro...

Fuck Buttons
“Street Horsing”
ATP


Post Rock. De forma progresiva y de la mano de la bella 'Sweet Love For Planet Earth', los ingleses Fuck Buttons nos introducen en el universo sonoro que habitan. En esta canción conviven a partes iguales psicodélia y progresión, argumentos que se mantendrá fijos durante los 49 minutos y 41 segundos que dura el 'Street Horsing'. Disco que se reparte en 6 temas que no bajan de los siete minutos, a excepción del psicodélico y demoníaco 'Ribs out', un tema al que le encuentro un cierto parecido con algunos sonidos primo-hermanos del genio de la experimentación y heredero del legado Aphex Twin, Mike Paradinas a.k.a µ-ziq. El ruido apocalíptico de los Fuck Buttons continua con la pesada 'Okay, Let's Talk about Magic' y 'Race You To My Bedroom – Spirit Rise'. El disco contiene un detalle que personalmente valoro mucho, que los temas estén enlazados. Un argumento que se rompe antes de llegar al final en 'Bright Tomorrow', momento en el que parece que se vaya a asomar un poco el sol y se vaya la tormenta. Arnau Sabate.

3/5

El Futur de la indústria musical des de la visió de dos grups emergents.

Durant el mes de juliol a Barcelona no hi havia ningú. Bé, tots sabem que això és un dir. Haver-hi, hi havia molta gent. Entre guiris i italians pedorros, una massa de població aturada i, entre aquests jo, que vaig tenir la sort de passar l'estiu organitzant juntament a l'Eduard i n'Andrea la temporada Tardor-Hivern del Cicle A Viva Veu, i uns dels grups que hi haurà són els que precisament aquí entrevisto. Els Valero, que tocaran el 12 de novembre, i La Banda Municipal del Polo Norte, que tocarà el 15 d'Ocubre. Precisament per aquelles dates, també, la gent de Mondo Sonoro em va demanar que escollís dues bandes de pop nacional emergent i fes, amb ells, un dossier de Pop de la nova escola. Així doncs el que trobareu a continuació és una entrevista conjunta a dues bandes opinant sobre la situació de la indústria musical. El resultat va ser genial, una conversa molt interessant, amb afirmacions i veritats de la mida d'un temple. Moltes van quedar-se a la gravadora, però aquí hi ha un resum del que va donar de sí aquella tarda de Juliol a l'Heliogàbal...

La indústria musical es troba en punt d’incertesa total. Internet ha dinamitat els ciments d’una indústria que encara viu amb un peu posat al segle passat. Tot i que el vent encara bufa cap una direcció incerta, hi ha qui comença a crear un discurs crític, a l’hora que coherent. Donem veu i vot a dos referents del pop nacional emergent per entendre com es concep això des del seu punt de vista.

La millor manera d’encarar una entrevista a deu persones a l’hora, és plantejar-se-la com una taula rodona, i les preguntes establertes com un ordre del dia. El primer dels punts, sobre la polèmica qüestió de viure de la música, l’enceta irònicament Oscar de La Banda Municipal del Polo Norte (en el text, i a partir d’ara com LBMPN) ‘És fàcil sempre que estiguis disposat a viure amb 2 € al mes’. Eric de Valero, respon, ‘Nosaltres ens ho prenem com quelcom a fer més enllà dels nostres treballs, i això és un avantatge ja que no ens porta gaires obligacions’. La indústria musical es troba en un moment de canvi, això és innegable. Les opinions comencen a aflorar, ‘Hi haurà una escena indie, que seran els que no cobraran per tocar i hi haurà una escena mainstrem, que seran els que cobraran poc per tocar’ (Oscar/BMPN). Coincideixen tots en que el detonant de tota aquesta revolució ha estat la revolució i l’accés a la tecnologia. Segons Eric, de Valero, s’ha democratitzat el tema tècnic, ‘Bandes com nosaltres, abans hauríem hagut de suplicar i estalviar, durant molt de temps, per gravar algo. Ara, amb un ordinador i uns mitjans rudimentaris pots fer algo digne’. En aquest aspecte, Internet ha influït molt. Potser el problema es troba en canalitzar aquest excés d’informació i, en aquest aspecte, la conversa deriva cap a la concepció de la música. ‘La gent, actualment, escolta molta més música de la que es podia escoltar temps enrere, quan no existia l’mp3. El fet d’escoltar més música no et fa més bon crític, sinó millor coneixedor de l’escena’ (Javier Del Castillo/Valero). Internet també ha globalitzat l’opinió. Els blogs, com a fenomen en creixement, estan afectant a la professió periodística. Per això m’interessa saber la seva opinió respecte la crítica música. Respon, en primer lloc el Dimas, crític musical de professió, ‘Valoro molt la feina que fan els blogs. En el nostre cas, alguns blogs, ens han definit molt millor la personalitat de la banda, que no pas alguns mitjans. Són gent molt entregada, que escriu sota cap pressió i que, a canvi, et fa un anàlisi molt acurat sobre el tema en qüestió’. Les opinions són força crítiques. Opina l’Oriol (BMPN), ‘Poc a poc, la gent torna anar a concerts a veure que passa, i en aquest cas, la premsa especialitzada escrita, segons el meu punt de vista, escriu per ser llegida per ells mateixos. Jo, en aquest aspecte, em refio molt més del que diu la gent, i del boca orella’. La globalització d’Internet també ha modificat les pròpies influències, les dels músics, ‘D’influències n’hi ha hagut tota la vida. Actualment, la diferència es troba en la velocitat en que viatgen, aquestes influències’(Oscar/BMPN). ‘Venim d’una època en la que vam escoltar un disc i ens el vam aprendre de memòria. Actualment, escoltem 20 discos diferents, cada dia. No els assimilem ni els gaudirem de la mateixa manera que quan vam escoltar el primer disc del nostre músic favorit’ (Javi/Valero). ‘Defenso la influència dels avis’ (Eric/Valero). Tots estan d’acord i, aleshores, és quan surten sentències com, ‘Superant a Freud, matem als pares però establim uns punts de connexió més forts amb els nostres avis’, l’Òscar (BMPN), no se sent deutor del so de la generació que li va tocar viure, ans al contrari. En aquesta línea l’hi plantejo el repte de fer un pronòstic de com s’ho faran les generacions futures per influenciar-se a l’hora de compondre. El resultat és prou optimista, ‘No se com s’ho faran, però confio plenament en la joventut, sobretot en la que fa passos endavant’. (Oscar/BMPN). Amb qui no confien tant és amb aquells que mouen els fils de la indústria, ‘Són antics. No es pot nedar a contracorrent, no es pot seguir pensant com al segle XX. Si la realitat ha canviat, adaptem-nos a aquesta realitat, l’hem creat nosaltres’. (Oriol/BMPN). Cal un canvi de mentalitat, ‘Cal arribar a un pacte d’entesa, entre els que fem música, els que l’escolten i els que la distribueixen. No serà fàcil per que és una renovació total. No sabem que passarà, però estic molt content de viure aquest moment’. (Oscar/BMPN). La última intervenció sentencia el tema i l’entrevista, ‘Als grups el que ens interessa és tocar, ja que els drets d’autor que obtinguem per mitjà de la venta de cd’s és mínima. Un autor ha de cobrar pel seu treball, això és legítim, però el que hi ha a l’altre costat no ens agrada, ni com a músics ni com a consumidors’ (Eric/Valero).

(Entrevista original de l'apareguda a l'edició de Mondo Sonoro d'octubre de 2009)

Oníric, Maria Rodés o totes dues coses?

Me n'adono, a través del seu myspace, que Maria Rodés decideix, finalment, canviar el nom del grup. Ja mai més es dirà Oníric. El nom quedarà pel record, però ara l'important és el present. En aquest enllaç, ella mateixa, explica les raons per les quals ha pres aquesta decisió, i jo, a continuació us deixo amb la crítica del disc, Sin Técnica, que vaig fer per Mondo Sonoro, en el seu determinat moment.

Per cert, Maria Rodés va tocar juntament a Jordi Tost al cicle de concerts A Viva Veu. Podeu veure les fotos aquí.



Oniric
Sin Técnica
Cydonia

3’5/5

Oníric es el proyecto oficial de María Rodés, quien podríamos definir, informalmente, como líder de la banda. María es quien compone, pero el proyecto lo completan 4 músicos más, Oriol Grau, Tomás García, Nacho y Fanny. Aunque cabría hacer una mención especial para Andy Pool (Freud Quiere Bailar), que ya no está en la banda, pero que fue él, quien animó a María a darle cara y ojos al material que llevaba tiempo componiendo en su habitación. Todo ese material, acumulado durante tanto tiempo, es el que recoge su primer largo Sin Técnica. Once canciones de poco más de tres minutos cada una que construyen un disco corto pero intenso. En tan solo 28 minutos y 8 segundos se concentran multitud de ideas convertidas en una música que nace de un concepto de folk de autor (Culpa o Atrapado son claros ejemplos), pero que también incluye detalles de blues, en The Wild Girl o pinceladas bossa nova en canciones como Busy o Lies. Incluso atreviéndose con el Jazz, María adapta, en el tema Sin Técnica, el standard Summertime de George Gershwin. Engañándonos con el título, de técnica es precisamente de lo que va cargado el disco. Constructivamente, el bullicio de ideas, en cuanto a melodías, hace que el disco sea demasiado intenso en la primera escucha pero a su favor, la dulce tesitura María hace que éste fluya como si nada. Arnau Sabaté


(Per Mondo Sonoro. Si voleu escoltar una entrevista que els hi vam fer, click aquí)

Un forero de Mondo Sonoro arremet contra mi, jo em justifico

L'altre dia en Joan S. Luna em va enviar un mail dient-me que algú al foro es queixava de la meva crònica del Faraday per Mondo Sonoro. La persona en concret es queixava que la meva crònica era una successiva ennumeració de bandes sense gaire criteri, deixant de banda el que és merament crític per ensabonar una mica el festival i aleshores fer un llistat de grups que, segons el seu criteri, hagués pogut fer qualsevol persona sense haver anat al festival.

Un dia abans que aquesta crítica hagués assetjat la meva condició d'aprenent de crític musical, vaig escriure una altra crònica pel Farday, en aquest cas per ScannerFM.

M'agrada que em diguin les coses clares i si una cosa no la faig bé, m'encanta que me la recriminin. De fet, així és la única manera en la que es pot aprendre. Els nens aprenen a caminar caient. Suposo que els que escrivim, millorem quan algú ens diu on fallem. L'autor de la crítica era Desperatek, i el contingut del seu missatge deia el següent:

'aprovecho que este hilo está abierto para decir que, al igual que me lo pareció la crítica del Día de la Música, creo que la que hay colgada sobre el Faraday es horrible. son simples enumeraciones de grupos que podrían hacerse perfectamente sin haber asistido al festival. entiendo que no hay espacio para divagar sobre todos los grupos, pero me pregunto hasta qué punto tiene sentido hacer una crítica-repaso de este tipo. como lector deja mucho que desear...'

Per contextualitzar una mica, cal tenir en compte que aquest comentari es troba a la sisena pàgina del fòrum del Mondo Sonoro, el tòpic del qual és Críticas de conciertos en el mondo sonoro: Lo Flipo! La qüestió és que els usuaris utilitzen aquest canal per donar la seva opinió del que me els hi mereixen les crítiques de concerts de la revista. Fins al punt, tothom carregava contra Joan S. Luna i la seva crítica pro-U2, en el passat concert a Barcelona.

Primer de tot voldria agrair dues coses a Desperatek. La primera és que hagi decidit fer la crítica, i l'altra és que s'hagi posat en el paper del que escriu, tenint en compte el que diu: 'entiendo que no hay espacio para divagar sobre todos los grupos'. En realitat té raó quan diu que no té sentit fer una crítica-repàs. Més que res per que convertir una crítica en una ennumeració de grups no és gens interessant (ho dic posant-me al paper del lector). Tot i això matitzaré que el llibre d'estil del Mondo coincideix sovint en aquesta línia. Fins i tot, en crítiques on m'he deixat d'ennumerar algún grup, desprès se m'ha reclamat que el posés per tal que fos pal·lès a la crítica. D'es d'aquest punt, penso que és provable que hi hagi algun tipus d'intenció per part dels editors de la revista a que surtin TOTS els noms de bandes. Així vaig fer. Possiblement si que hagués pogut fer una crònica més intensa però l'espai és limitat -40 línies, 1 pàgina-. Una crònica no nomès pretèn parlar de grups sinó que també vol una contextualització introductòria de l'ambient del festival, l'emplaçament, la gent, problemes meteorològics -en el cas que hagin existit-, etc. En el cas del Faraday vaig donar molta importància a aquest aspecte i, ara que ho penso, potser sí que no ho haguès hagut de fer. Tot i això, també cal comentar que hi havia 4 caps de cartell importants segons la importància mediàtica. 1 era Neil Hannon, al qual dedicava 7 de les 40 línies (més o menys un 10% del total), els altres eren Manel (per ser el grup català del moment. Jo no me'n considero un fan absolut, ni molt menys, ans al contrari. Tot i això se n'ha de parlar per que és el que el lector i l'editor vol). The Leisure Society també eren un dels caps minoritaris del cartell, em van agradar i vaig considerar-ne oportú fixar-me molt alhora de detallar fil per randa el concert. Els últims caps de cartell eren The Lucksmiths, als quals vaig dedicar gairebé 4 línies.

Amb tot això no vull excusar-me. He de dir que la feina està feta. Sóc conscient de que no ha estat la meva millor crònica del festival, i que si ho preferiu podeu llegir la que us deixo a continuació, d'ScannerFM, que segons el meu criteri està molt més ben estructurada i més ben detallada.

Aunque para esta ocasión contaran con el patrocinio de una conocida marca de Vodka, el Festival Faraday, igual que un vino, mejora con los años. En su sexta cosecha, el festival, logra su punto óptimo de madurez, y las razones son varias. Por una parte, la organización, configurada por la cara visible de Pere Agramunt y Dani Póveda, ambos miembros de La Brigada y Gentle Music Men, respectivamente, que son bandas fuertemente influenciadas por un background estrictamente pop, configuran la línea de un festival que sigue muy fiel a éstas directrices.

Cumpliendo con el deseo, mediante el cual se pronunciaron a través de facebook, a principio de año, con la campaña de apoyo al grupo ‘Neil Hannon / The Divine Comedy tienen que tocar en el Faraday 2009’, el que es líder de The Divine Comedy fue el cabeza de cartel para la edición de este año del festival, y Sábado, en prime time, protagonizó una actuación –exclusiva en España- dónde se desnudó de complejos, ofreciendo una actuación en base a guitarra y piano. Entre los momentos más aplaudidos se encuentra el que interpretó Everybody Knows (except you) y la versión del clásico Cheek to Cheek de Irvin Berlin y Fred Astaire. Hannon que, en todo momento, mostró una actitud de proximidad con el público del festival, se dirigió en todo momento en catalán, llegando incluso a felicitar al Barça por su fantástica temporada, aun incluso declararse auténtico Hooligan y supporter del Manchester Utd.

La edición del Faraday 2009 no solo fue especial por esa actuación, sino que también quedarán en el recuerdo actuaciones como la de los australianos The Lucksmiths, el viernes 3 de Julio, que para esta ocasión despedían una carrera de 16 años de historia a sus espaldas. El grupo, con una magistral lección de jangle pop, sorprendió por su capacidad de directo, a pesar de su estrecha formación y la posesión de un cantante baterista. También la noche del viernes, The Leisure Society debutaban en nuestro país gracias a la habilidad de los organizadores del festival por traer nuevas promesas del pop europeo. Estos ingleses, con cierta afinidad por bandas como The Decemberists, se acompañaron de la colaboración de Gary Olsom de The Ladybug Transistor, y parecieron gustar mucho al público Vilanovino.

Hay que recordar que el Faraday, además de caracterizarse por un entorno entrañable, con privilegiadas vistas al mar, poca afluencia y gozar de la iluminación intermitente de la luz de un faro, también se caracteriza por sus descubrimientos. Nosotros los hemos bateado como ‘Descubrimientos Faradaydianos’, y este año incluían, en primera posición Shugu Tokumaru, un japonés acompañado de otros 3 componentes que facturaban pop desestructurado aunque de melodías dulces y agradables. Con multitud de juguetes y otros instrumentos poco habituales, los nipones dieron una espectacular lección musical made in Japan, llegando incluso a versionar Video Killed The Radio Star. Otros que también debutaban en España eran The Mummers, un conjunto de pop orgánico y orquestal que por lo que parece son la sensación en el Reino Unido y que aquí, sorprendieron gratamente, incluso por la estrecha afinidad que su cantante tiene con la islandesa, Björk. También en sábado, 1990s dieron una auténtica lección rockera a los que tan cansados estaban de escuchar pop.

Las decepciones fueron Ipso Facto, el viernes, con una actuación de post-punk descafeinado y The Ruling Class, el sábado, por que su apuesta de Madchester Sound se queda en el de aprendices a rockstar. Por lo que a cuota nacional se refiere, cumplieron y con muy buena nota. Simplemente destacar a los mejores, que en esta ocasión fueron Extraperlo y The Lions Constellation.

El festival se acabó el domingo, viendo como caía el día en una plácida y bonita tarde de julio, y la banda sonora fue de lujo, Gary Olsom de The Ladybug Transistor. El típico Chaval

Crònica del Faraday

És gairebé impossible resumir impecablement, en 40-45 línies el contingut de 3 dies de música. M'haguès agradat explaiar-me més en el contingut però, sense pena ni glòria, aquest és el resultat de la crònica del Faraday. Disfrutin...



Cierren los ojos e imaginen un jardín enorme bajo las estrellas y el clima idóneo de una noche de julio, junto a la iluminación intermitente de la luz de un faro. De fondo, la música de sus artistas preferidos y la compañía de sus amistades más preciadas. Todo esto es el Faraday, y con vistas al mar, por supuesto.

El primer día abrieron, en el escenario grande, Le Pianc, transportando su pop con destellos funk, herencia de los bandas como The B’52. Para relevarles, Espaldamaceta tocó delante de una multitud poco numerosa que tomó asiento en la hierba del escenario ADN, mientras hacía tiempo para disfrutar de los Charades, que le siguieron, tocando canciones de su disco ‘En ningún lugar’. La primera actuación de la cuota extranjera fue a cargo de Ipso Facto, un trío de rock oscuro y post punk bastante convencional que, tras una actuación sin pena ni gloria, dejó paso a que Bèstia Ferida descargara ruidazo sin complejos, en un festival donde no encajaban demasiado. The Leisure Society devolvieron las cosas a su lugar en un concierto de pop luminoso y detalles folkloricos (ukelele, flautas, etc), debutando, por primera vez en España, y acompañados de la presencia de Gary Olsom en la parte final de su repertorio. En el mismo escenario y cuando ya había anochecido, Ramón Rodríguez subió al escenario, junto a sus habituales -Ricky Falkner, entre los más aplaudidos-. Destacar el avance de La Siesta, de su nuevo disco, y la versión de La Mano Izquierda de Nueva Vulcano. En el prime time, The Lucksmiths despidieron una carrera de 16 años de historia, y lo hicieron magistralmente. Su lección de jangle pop quedará grabada en la mente de todos los aquel día presentes como una auténtica clase magistral. El resto de la velada corrió a cargo de la cuota nacional. Half Foot Outside fueron precisos, Joe Crepúsculo infalible y, Biscuit retornaron al sonido clásico y demoledor del power-pop. Sin romper la dinámica estilística, los dj’s del OFC pusieron el punto y final a la noche, con algunos problemillas técnicos sin importancia. El día siguiente, los más madrugadores pudieron disfrutar de las actuaciones de Margarita y bRUNA.

Extraperlo, también acompañados de Gary Olsom a la trompeta, en el último tema, fueron los que más hicieron bailar, a pesar de la temprana hora en la que los habían programado. Destilando temas de ‘Desayuno Continental y el novísimo ‘De sus Palmas Al Abismo’ demostraron ser la banda nacional con más buena forma del momento. Shugo Tokumaru, que a priori se presentaba como uno de los descubrimientos Faradaydianos más apetitosos, sorprendió con su pop caótico a la par que meticuloso, versión de video killed the radio star incluída. The Mummers demostraron ser herencia del legado Björk y, en esa línea interpretaron Sleepyhead de Passion Pit. Dorian, con una nueva incorporación, reinterpretaron, en acústico, su repertorio habitual e incluso se atrevieron con Leonard Cohen. Eran pasadas las once cuando el piano de cola del escenario principal fue ocupado por el gran Neil Hannon. Dirigiéndose en todo momento al público con una sorprendente proximidad y, en lengua catalana, el frontman de The Divine Comedy encarriló un entrañable repertorio de grandes éxitos, que llegó al clímax en Everybody Knows (except you) y en la versión de Cheek To Cheek, mientras bebía de su gin tonic. Manel son grandes. Lo demostraron siendo el único grupo del festival, junto a Hannon, que tocó bis. Pop costumista acompañado de ukelele, interpretado en su formato habitual –versiones de Pulp i de Els Pets, incluidas-. 1990s fueron el último gran concierto de la noche, junto a The Lions Constellation, de los cuales nos esperábamos unos cuelgues más prolongados y una presentación escénica más aparatosa, teniendo en cuenta que jugaban en casa. The Ruling Class fueron bastante normales. Sonido mediocre, aunque divertido. Nos despedimos del Festival con cara risueña. Los conciertos en la playa, que este año se estrenaban en domingo, nos hicieron disfrutar de los riffs desgarrados de Songstore y la calma, junto al ritmo pausado, de The Boat Beam. Mientras el sol caía, Gary Olsom destilaba los últimos acordes del festival. Los que estuvimos allí, alegres y melancólicos, deseábamos que eso no acabara. Ahora, solo queda mirar adelante y marcar, como ineludible, la fecha en el calendario para el Faraday 2010. Arnau Sabaté

(Per Mondo Sonoro)





gràcies a l'Edu i l'aleix per un parell de cables....

Arqueologia Musical: Els Decibelios

Decibelios van ser un dels grups més influents en la meva adolescència. Crec que amb ells vaig començar a descobrir la escència de la música. Veia en ells una força lírica increïble i una magistralitat absoluta a l'hora d'adaptar-ho musicalment. Prenien influències del punk, el oi! i l'ska que als anys 60's, 70's i, sobretot, 80's es feia al Regne Unit i ho van importar a la península ibèrica, reinterpretant-ho d'una forma única.

Van ser grup referència de l'underground tant a Catalunya, com a la resta de l'estat Espanyol. Van participar amb artistes de renom durant la època i, fins i tot, van arribar al circuit comercial.

Al Mondo Sonoro em van demanar que fes un article sobre la banda per la secció Retrovisor. Aquí teniu....



Hablar de Decibelios significa hablar de la crudeza de los primeros años ochenta de una Barcelona obsesionada en abrirse al mundo bajo los objetivos de convertirse en lo que es hoy. Decibelios fueron la respuesta sociológica a la Barcelona pre-olímpica. Fray, un ideólogo que no sabía de política, canalizó la rabia de la clase obrera en tres trozos de papel y ni siquiera sabía que la condición que les llevó a la fama, también les llevaría a la separación.

Carlos Treviño, conocido por algunos como ‘Fray’, era un joven nacido en el seno de una humilde familia del Poble Sec de Barcelona que con una edad muy temprana empezó a encandilarse por el sonido y la rabia del punk inglés. Fray llevaba tiempo escribiendo letras en una libreta que siempre le acompañaba, pero no fue hasta principios de los ochenta cuando conoció Xavi Vilaró, un compañero de trabajo y fan acérrimo de bandas de hard-rock, con el que decidieron formar una banda a la que luego se sumarían Miguel y su hermano Manolo, ambos miembros de un grupo de rock’n’roll llamado Satanás.

La banda empezó sus andaduras en un local de ensayo Prat del Llobregat, localidad que se mantendría fuertemente ligada al seno de la banda y a la que harían múltiples referencias a lo largo de su historia. Con tan solo dos años de vida y tras la edición de Paletas Putrefactos, su primer single por el sello discográfico DRO, los seminales Decibelios, por aquella época llamados dB (nombre que abandonaron debido a la ya existencia de un grupo llamado The dB’s), deciden abandonar las riendas del grupo puesto que Vilaró abandona la banda. El hecho que Decibelios volvieran a unirse fue gracias a la incorporación de Manel, quien aportó un salto cualitativo a la banda. A fecha de entonces, Decibelios habían forjado una reputación que les costaba una mala imagen. Sus shows en directo les acercaban más a una banda de Glam-Rock que a un grupo Punk. En ellos, aparecían disfrazados y era muy habitual el despedace de animales e incluso la ingesta de estos en directo. En 1984 se edita Caldo de Pollo, su primer largo. El año siguiente editan el mini-Lp Oi! Ambos discos caracterizados por importar, por primera vez a la historia, los ejes básicos de la cultura skin head inglesa a España. La adaptación de estos elementos se hace de manera muy personal y se crea un producto autóctono de mucha calidad, mezclando influencias del Ska debido a la repercusión de la 2Tone Era o, incluso versionando, en Caldo de Pollo, el mítico hit ‘I’m an Upstart’ de Angelic Upstarts, del cual Fray era un auténtico fan. En la canción, a pesar de la velocidad en la que se pronuncia el estribillo, se intuyen algunos gritos típicos del III Reich que condicionaron, a partir de entonces, la reputación de la banda. A pesar que Decibelios siempre se había declarado como una banda no regida por ningún dogma político, la permisividad con la que trataron a sus seguidores fascistas fue lo que acabó erosionando la reputación de la banda. En su tercer disco la banda disfrutaba de un éxito comercial evidente y que se hizo patente en Vacaciones en el Prat, disco que llegó a introducirse en el circuito comercial, llegando a sonar, paradojalmente, teniendo en cuenta sus inicios en distintas radiofórmulas. Ese hecho decepcionó a sus fans más acérrimos. Podemos asegurar que el declive de la banda se produzco tras el álbum Vivos 88, un disco grabado en directo y tras el cual hubo una serie de acontecimientos cargados de polémica que les vinculaba, otra vez, con la extrema-derecha. Es por esto que la banda decide dejar atrás su pasado skinhead y desvincularse totalmente de su pasado. El resultado de todo ello es Con el Tiempo y una Caña, su quinto y último álbum, con el que cuentan, por primera vez en su historia con un productor, Rosendo, quien obviamente tiñó los quehaceres de la banda, alejándolos totalmente de la cultura Oi! que tanto les había caracterizado y introduciéndose de lleno en un disco más hard-rock que cualquier otra cosa. En su décimo aniversario, Decibelios dijeron definitivamente adiós el 15 de Febrero de 1990, en la sala 2 del antiguo Zeleste. Arnau Sabaté.







PS: A la foto, la polèmica samarreta que Fray llueix s'ha intentat esborrar vàries vegades. En aquest cas es pot apreciar clarament com el Tip-ex cobreix l'original estampat de la samarreta de Hitler.

The Lions Constellation, Flashing Light

The Lions Constellation
Flashing Light
B Core

4/5

La primera vez que oí hablar sobre The Lions Constellation fue bajo la referencia de ‘Motown Noise’, etiqueta que describe un híbrido imposible pero que cobra sentido cuando escuchas como la banda consigue mezclar el groove del sonido Madchester con la crudeza del garaje primitivo. Hablar de The Lions Constellations significa hablar de referentes, más aun cuando descubres que el cuarteto catalán lo lideran los hermanos RJ Sinclair y Graham. Ambos con un claro bagaje musical en Tokyo Sex Destruction e It’s Not Not el primero y pinchadiscos residente de la [2] del Apolo, el segundo. Los que les conozcan sabrán que su gusto refinado por la música se decanta por un sonido que empezó a gestarse durante los 60’s, evolucionó por los 80, y en los poderosos 90 acabó de pulirse. El sonido en concreto tiene un denominador común, la psicodelelia que crearon bandas como 13th Floor Elevators y que luego grupos como Spaceman 3, durante los 80’s, se encargaron de pulir. En Flashing Light, The Lions Constellation, beben mucho de estas influencias y, además, las mezclan con un punto lumínico que recuerda a los Jesus and Mary Chain más ruidosos. El resultado es un disco que suena como si no hubieran pasado los años y que llega al clímax en los cortes 7, 10 y 11, los correspondientes a Where Did You Go, She’s My Eroine y My Girl, respectivamente. Si eres de singles, no te pierdas The End Of Our Days. Arnau Sabaté

(Per Mondo Sonoro, escolta el dic sencer al seu myspace)

Kiss Me

Decibelios, el seu disc maleït i un plagi desconegut

Aquest mes de Maig he escrit una article que resumeix la vida d'un grup que vaig descobrir quan tenia 12 anys i que va condicionar totalment la meva manera de veure el món. Em refereixo als Decibelios, grup mític on els hi hagi. Tot i que de petit creia saber-ho tot sobre aquesta banda, escrivint l'article em vaig assabentar d'un fet bastant curiós.

Vacaciones en el Prat (Dro, 1986) és el tercer disc de Decibelios, s'obre amb un tema de títol homònim que, provablement, és dels més famosos que té la banda i que adapta fortament les influències que discs enrera ja s'havien fet pal·lès en la seva música, la 2-Tone anglesa. Molts diuen que Vacaciones en el Prat és el disc maleït dels Decibelios, no només per que molts dels seus fans van començar a perdre la confiança en un grup que, tot i els seus inicis, començava a sonar en radiofòrmules mainstream. Sinó per que la primera edició del disc, que contenia la cançó Estos Macarrones Aun No Están Hechos -adaptada de Angelitos negros d'Antonio Machín- va haver de destruir-se davant de notari, degut a un mal entés entre la banda i al segell discogràfic que aleshores pertanyia Decibelios, Dro. Manel (guitarrista) va comprar la partitura d'Angelitos Negros, però Dro va ometre posar al disc que la cançó era una adaptació d'Antonio Machín. L'autor original d'Angelitos Negros, Manuel Álvarez Maciste, va demandar la banda per plagi. Les autoritats van demanar la destrucció de les còpies i una multa de 250.000 ptes. Finalment també va intervenir-hi les SGAE i tot va acabar sumant més de mig milió de les antigues pessetes, quantitat que van assumir a parts iguals la discogràfica i Decibelios. Això va tocar molt a la banda...

A part d'aquest curiós cas, Vacaciones en el Prat també recull una altra adaptació -que, per cert, desconeixia-. El tema en qüestió és Boina, himne a una peça de roba bàsica per qualsevol skinhead. Fray es va inspirar per composar aquesta cançó amb Vicious de Lou Reed. Podeu comprovar-ho a continuació....

Crítiques del mes d'Abril

A continuació les crítiques del mes d'Abril que he escrit per Mondo Sonoro, H mag i, per primer cop a la meva vida, a Go Magazine (veure Rubinoos)

O+S
‘O+S’
Saddle Creek Rcds.

O+S es el curioso nombre de un grupo hasta la fecha desconocido por nuestras tierras. Provienen de Birmingham, pero lo curioso del caso es que no se trata del Birmingham del Reino Unido, sino de otra población de Estados Unidos, en Alabama. El proyecto nace de la idea original de Orenda Fink y Cedrik LeMoyne, ambos con otros proyectos musicales paralelos, al cual más tarde se unió Michael Patterson (Beck, Black Rebel Motorcycle Clu), quien produjo el disco. Aunque no hayan sido muy originales escogiendo el nombre de su primer disco, que han titulado igual que a la banda, si que han acertado musicalmente. O+S es un bullicio de creatividad y detalles paisajísticos con los que incluso llegan a rozar estilos como el shoegaze. Lo más fácil sería catalogar su música como pop ambiental, pero eso no sería justo ya que sumergirse en su disco implica impregnarse de ritmos electrónicos poco estridentes, voces tenues, melodías suaves e incluso algunos samplers que tiran en forma de loop para decorar el resultado.



The Horrors
Primary Colours

El single, Sea Within A Sea, fue el primer adelanto de Primary Colours, el segundo largo de esta banda inglesa que se peina como Robert Smith y calza zapatos de plataforma estilo Frankestein, uno de los mitos de la estética gotico-siniestra que tanto admiran. El single, de casi 8 minutos, adapta con elegancia el sonido que antaño popularizaron bandas de la New Wave inglesa, llegando casi a borrar la frontera generacional que separa estos jóvenes de Southend con sus mitos del pasado. El resto del disco no tiene nada que envidiar a este tema. De hecho canciones como Scarlet Fields o la mismísima Mirror’s Image que abre el disco, harían callar a todos aquellos detractores de revistas mainstream inglesas que tanto ayudaron a promocionar este grupo en sus inicios. Mientras bandas como Interpol se han ido descarrilando de la esencia del estilo. The Horrors hacen lo contrario, dan la vuelta a la tuerca que les acerca a Jesus and Mary Chain y les distancia de grupos quinceañeros.

The Von Bondies
Love, Hate and Then There’s You

2/5

The Von Bondies son de la opinión que ser Indie es sinónimo de persona con afinidad para la música complicada especial para momentos de melancolía. Jason, Don, Lean y Christy son jóvenes rebeldes que visten camisas blancas con corbatas negras estrechas y chupas de cuero, calzan deportivas, empuñan guitarras y hacen bailar salas de conciertos enteras a golpe de estribillos facilotes y ritmos puramente bailables. Con Love, Hate and Then There’s You firman su tercer album de estudio y se reafirman en la condición de estrellas para un público principalmente juvenil. En un disco en el que ni tan solo el título rebosa de creatividad, los de Detroit firman el contrato que permite a todos aquellos que hablan de música habitualmente, situar la banda en el mismo saco que otros grupos de post-punk de nueva ola. Riffs de guitarra rockeros, ritmos marcadamente acelerados y que juntamente a letras rebeldes de títulos tan sugerentes como Shout Your Mouth o I Don’t Wanna permiten crear coros épicos y divertidos de tararear en directo. No pienso que haya ningún tema con unas cualidades estrictamente diferenciales que permita crear un clímax en este disco, simplemente discurre en un mismo plano. En muchas ocasiones se las ha visto taloneando grupos grandes como Franz Ferdinan, Kasabian o The Killers. Si continúan a este paso, difícilmente podrán acceder al siguiente, el que les permita ser taloneados en vez de telonear.



Tetsuo
La ciudad de las Nubes

3/5

Detrás de cada canción hay una historia y detrás de cada historia un esfuerzo. Esta es la carta de presentación que Jordi, Rafa y Pedro, componentes de Tetsuo, adjuntan en el libreto que acompaña su nuevo disco, La Ciudad de las Nubes, un álbum que sirve la sinceridad en plato frío y que llama la atención por fundamentar cada tema con algún tipo de existencialismo. Justifican el disco como un conjunto de historias que pasaron a la banda durante el verano de 2007 y a través del cual posibilitaron que pudiera llegarse a componer un álbum, que casi podría definirse como conceptual. La apertura de un blog en Internet, que encontraréis fácilmente tecleando en Google el título del disco, ha servido a la banda para acabar de perfilar el significado total del disco. El blog sirve de puntal para que todos aquellos interesados en descubrir la esencia y el significado que empujó la banda a componer cada tema. Musicalmente, La Ciudad de las Nubes es un disco que texturiza las historias y con la ayuda del hilo conductor, que sirve como guión, se pasa de fríos riffs de guitarra a energéticos cambios de ritmo, parones, voces que rozan el screamo y momentos instrumentales memorables.



El Petit del Cal Eril!
I Les Sargantanes Al Sol
Bankrobber
4/5

Las influencias del weird-folk anglosajón están empezando a arraigar fuertemente en nuestro país de una manera ciertamente curiosa. Se mantienen las formas y se mezclan con elementos autóctonos de la tierra. Joan Pons, viene de Guissona, un pueblo de la provincia de Lleida que puede que les sea familiar por cuestiones extramusicales y, donde el paisaje, el ritmo de vida cotidiano y la familia ha sido lo que, en buena parte, han inspirado la música de El Petit del Cal Eril des de su primera maqueta hasta I Les Sargantanes Al Sol, su primer largo. Joan es técnico de sonido de profesión, escusa que le ha permitido crear un disco a medida de sus posibilidades. Aunque pudiérase definir como un disco casero, el sonido no le delata. La meticulosidad con la que la banda cuida los detalles, hacen de éste, un disco con constantes referencias al contexto que inspiró la creación del mismo. Las letras dibujan escenas típicas de la vida en un pueblo, así como te permiten cerrar los ojos y oler a tierra mojada o a fruta fresca. Discurriendo pausadamente, tras una breve intro y el sonido de unas campanas, el disco empieza oficialmente en el minuto y medio de la segunda canción. Instrumentos tradicionales se mezclan con sutilezas electrónicas, guiños a antiguas canciones folklóricas y coros infantiles.

The Rubinoos
HodgePodge

Batiburrillo es la definición que aparece en un diccionario inglés-español cualquiera cuando alguien busca el significado de la palabra anglófila HodgePodge, que además de significar colección heterogénea, es el título elegido por la legendaria banda norteamericana The Rubinoos para titular su último trabajo, que en España edita WildPunk Records. The Rubinoos son un grupo de California surgido unos años después que la que la British Invasion hiciera tambalear los intereses de la música popular norteamericana. Tocando a la sombra de los grandes, fueron conocidos abanderados del género powerpop y sucumbieron durante los 70’s con magníficas construcciones pop que nada tenían que envidiar a los estribillos pegadizos de bandas como Los Beatles o The Hollies. El esmero en las armonías vocales que se aprecia en muchos temas incluso puede acercarles a la magnificencia sonora de sus paisanos Beach Boys. Lo anteriormente comentado, en referencia al batiburrillo, hace referencia a la estrecha relación que existe entre el título del disco y el material que éste recoge. En su mayoría rarezas grabadas en distintas épocas de la banda, que hasta el momento solo habían sido editadas en Japón, junto a versiones de artistas como The Raspberries (Cruisin' Music) o Frank Zappa ("Absolutely Free").

Crònica del Festival Plaça de la Odisea

A menudo, los factores climatológicos correspondientes a la primera etapa primaveral se caracterizan por una inestabilidad latente. Durante el fin de semana del 16 al 18 el clima fue la espada de Damocles que amenazó el festival. Pero eso no impidió que la gran masa Indie barcelonesa atravesara el puente que une el Paseo Colón con el complejo portuario Maremagnum para asistir a los conciertos del Festival de la Plaça de la Odisea que programan los propietarios del mítico Bar Depósito Legal des de l’Hospitalet. En su tercera edición, el festival delata una clara madureza y consigue mezclar propuestas emergentes de calidad (léase Valero) junto a la presencia, por primera vez en el festival, de artistas internacionales como Lacrosse y Piano Magic Todo empezó el jueves, en un arrebatado escenario interior, situado en la segunda planta del edificio del centro comercial del Maremagnum. El ex-tarántula, Joe Crepúsculo, ofreció su show habitual a excepción de que el antepenúltimo tema lo compartió con algunos de los miembros de Extraperlo, quienes le acompañaron en coros, entre un ambiente carismáticamente amigable. Antes de la actuación de Joe Crepúsculo estuvieron actuando Valero y Marcel Cranc. Los primeros, que se establecen como una de las propuestas emergentes más interesantes de la escena independiente barcelonesa cuentan con un background musical envidiable forjado en una base de pop rock de calidad y finura. El mallorquín Marcel Cranc, supuso la propuesta más intimista del jueves y Extraperlo, a última hora, ofrecieron un concierto simplemente genial. Para el viernes se reservaban dos de los platos fuertes del festival. Abrió la tarde el grupo madrileño de pop compuesto a la vieja usanza, Bombones, quienes ofrecieron un show sin altos ni bajos ante la mirada atenta de los más puntuales. Les siguieron Lacrosse tocando uno de los mejores conciertos del festival, en el que además presentaron temas de un nuevo disco que por lo que parece apunta a maneras. Finalmente Antonio Luque cerró una completa noche de viernes, tocando únicamente canciones de los tres últimos álbumes de Sr. Chinarro. El sábado tocaron Cuchillo antes de Klaus & Kinskis, estos últimos con algún percance técnico durante el concierto. Los de Israel Marco y Daniel firmaron un concierto fino, en la línea de su folk místico de capas y percusiones psicodélicas. El concierto de Klaus & Kinski no me pareció extremadamente apoteósico pero el de Piano Magic si que cumplió con lo esperado. Quizás con la masa de público más fiel delante del escenario, los ingleses embalumaron de ritmos progresivamente oscuros un lugar poco acostumbrado a esos estilos. Arnau Sabaté

(Per Mondo Sonoro)