Deures per les llistes del millor disc de l'any...

Aquestes crítiques seran publicades al proper número de la revista Go. Mishima, classificat com a 14è millor disc estatal i Wild Nothing 32è millor disc internacional...



Mishima, “Ordre i Aventura” (Sones, 2010)

La alegoria a Phil Spector del inicio de “Tot Torna a Començar” engrandece el
mito de Mishima, que con cinco álbumes en el mercado se consolidan en lo más alto de los credenciales del pop estatal. “Ordre i Aventura” (Sones, 2010) es un homenaje al pop en toda regla, así como sus letras lo son al amor, a la ciudad de Barcelona o a la maduración personal. David Carabén demuestra una vez más que su genialidad no solamente residen en su voz sino en sus fantásticas letras que despachan emotividad y optimismo en estado puro. Los magníficos teclados a cargo de Marc Lloreta redondean una obra importantísima tras el éxito cosechado con “Set Tota La Vida” (Sinnamon, 2009), EL disco.




Wild Nothing, “Gemini” (Captured Tracks, 2010)

La dualidad de muchos grupos americanos actuales establece una curiosa relación entre el disco y su puesta en escena. Mientras que en directo aun les faltan detalles que mejorar en cuanto a sonoridad, el sonido que consiguen en el disco es impresionante. “Gemini” es uno de esos ejemplos y una oda al pop nuevaolero. Jack Tatum consigue darle un aire personal a sus composiciones que destilan frescura en canciones que ya se han hecho un puesto en las listas ( “Live in Dreams” y “Summer Holiday”). Agradecemos a Captured Tracks un descenso del lo-fi en esta apuesta definitivamente enfocada a la melodía.

Retalls inèdits d'una conversa amb Los Planetas (El Glaciar, Barcelona. 11.02.2010)

Estuve leyendo una biografía de La Niña de los Peines, que era una cantaora de los años diez del siglo XX, y había un artículo de un periodista, donde la entrevistaba, y sus familiares decían pues la va a flipar (sic) con La Niña de los Peines, es Una Ópera Egipcia, algo sublime vamos…

“Antes estábamos con Alfaro y estábamos hablando de eso. La palabra gitano viene de egiptano, no? –que viene de Egipcio-. Los gitanos dicen que vienen de Egipto, porqué son descendientes del faraón y tó eso, no? En inglés pasa lo mismo, “Gipsy” viene de “egipcian”, y esa es la referencia.

Hay teorías que dicen que los gitanos vienen de la India. Sin embargo la palabra que los define como raza, como tribu…la raíz de la palabra, vamos, es egipciano. En el flamenco, además, hay muchas referencias como “esto lo he aprendido del faraón”, “esto me lo enseñó un faraón”

Smash, Lole y Manuel, Triana, Kiko Veneno, Lagartija Nick y Enrique Morente…Nosotros solamente somos los continuadores de una tracción cultural que viene de muchas partes.

Hablando de rock progresivo de los 70’s, Jota de repente suelta “…el rock inglés. Muy denostado durante mucho tiempo, pero que a nosotros nos ha gustado siempre. Pink Floyd, Genesis o Yes. Heheehe, a mi me gusta…era música que escuchaba de chico y me parece muy importante, sabes? Han estado muy infravalorados, pero se recuperará. Estoy seguro…

- Yo soy muy fan de Genesis. Muy fan, muy fan…y no soy yo el único. Los Genesis de Peter Gabriel son la ostia. Te recomiendo Selling England By The Pound y The Lamb Lies Down on Broadway

- Oye Jota, que tampoco nos pasamos el día escuchando todo ese tipo de música.
- No, no…esa era la música que escuchaba yo cuando era pequeño.
- El Krautrock? Eso he brutal..el rock ese alemán de los 70 es potentisimo…

La actitud agresiva del punk no llevaba a ninguna parte. De hecho en seguida se conviertió rápidamente en algo puramente mercantil. Los indies, en cambio, reivindicaban lo más atractivo del punk, que era la idea de una distribución alternativa, un concepto de música independiente, que es la que ha perdurado hasta nuestros días. Mientras la indústria musical está a las últimas, la independiente es la que aguanta.

Cuando Joe Strummer estuvo en Granada, su mensaje ya estaba pasado de moda. En esa época, en Granada, la gente ya escuchaba a The Smiths y a los Jesus & Mary Chain, y los The Cure ya no los escuchaba nadie. Fue la época que hizo Cut The Crap que es muy malo.

Hay que estar muy acostumbrado a escuchar canciones de Sebadoh y Guided By Voices (risas) para poder apreciar, en esas grabaciones, dónde está el arte. Gracias a dios yo he escuchado muchos discos de los Guided By Voices y Sebadoh, y se apreciar el Lo-Fi.

Aquí hay unas canciones que pienso que canto bien, y que merecía la pena que se escusharan (sic). Antes cantaba muy mal y pienso que era mejor que no se escucharan. Ahora me siento a gusto cantando, que nunca me había sentido así, y como me estoy quedando sin voz decidí cantar ahora antes que me quede definitivamente sin.

Ópera Egipcia

L'altre dia deia això, avui parlo del seu disc, en una crítica que sortirà al GoMag...

Los Planetas

“Ópera Egipcia”

Flamencodelia. Los gitanos llamaban “Ópera Egipcia” a lo que los payos conocemos como obra maestra porqué según parece, los orígenes de este pueblo se situaban en Egipto. Así es como Los Planetas homenajean uno de los patrimonios populares más arraigados de su tierra. En Andalucía conocen bien el significado de la palabra “popular”. Según ellos mismos, el Flamenco siempre ha sido una musica que ha evolucionado y subsistido al margen de la cultura dominante, siendo asimismo interpretada y amada por gente poco integrada socialmente. Este paralelismo contracultural es el nexo de unión que les ha permitido dar forma a un nuevo sonido que en “La Leyenda del Espacio” encontró su máximo exponente. La convergencia entre Flamenco y Rock Underground permitió, además, crear la prolongación de ese disco en el EP “Cuatro Palos” del cual, por cierto, rescatan “Romance de Juan de Osuna”. “Opera Egipcia” no tiene la excelencia de “La Leyenda del Espacio”, sin embargo completa y perfecciona el sonido que llevan trabajando hace tiempo. “Ópera Egípcia” nace sin un concepto aparente, a pesar de que va adquiriéndolo a medida pasan las canciones. En su mayoría, adaptaciones de antiguos cantos de distintos palos y cantaores que han ajustado al género. Estructuralmente es necesario apuntar dos detalles; que es la primera vez que a Jota se le entienden las letras, y que el disco se divide en dos partes bien distintas. La primera es, musicalmente más asequible y vitamínica. Empieza tras “La llave de Oro”, una pieza instrumental que abre el disco, donde la voz que en principio debia ser interpretada por Morente, finalmente se sustituyó por una línia de guitarra de Florent. Esta primera parte, además, es la que incluye canciones no inéditas de la banda (“Soy un pobre Granaíno” y “Una corona de Estrellas”, aparecida en la película La Habitación de Fermat), hecho que se convierte en lo más recriminable del disco. Tras “7 faroles” descubrimos que Los Planetas van afilando intenciones, encarrilándonos hacia el single “No se cómo te atreves”. Una balada que comparten a dúo Jota y La Bien Querida, que mejora con las escuchas. La aparición de Ana Fernandez no es aislada ya que gana protagonismo en “La Veleta”, una insólita canción donde los protagonistas son ella y los sintetizadores. En la segunda parte del disco, fijan su intención en adaptar las influencias más oscuras del flamenco y sumergirse en la psicodelia. Los Planetas consiguen dar forma al género que crearon y consolidarse en la “Flamencodelia”. Huyendo más allá de lo que hicieron en sus dos referencias anteriores, consiguiendo que lo más flamenco del disco sean las letras. El punto de inflexión entre las dos partes es “Señora de las alturas”, un hit a la altura de sus mejores singles que fija el sonido de su nueva etapa en la lisergia planetera de antaño. A partir de aquí el disco se vuelca en la profundidad del cante jondo. La primera referencia es “Creí Morirme de Pena”, un juego de frescura y tristeza que prepara al oyente para, poco a poco, trasladarlo hacia el un universo palpitante de intensidad de “Virgen de la soledad” y “La pastora divina”, interpretada por Enrique Morente con una vehemencia que estremece. Toda la sencillez del principio del disco se convierte, al final, en una bruma de oscuridad. Los Poemas despide el disco fundiendo influencias de rock progresivo y pasión flamenca en una de las más conmovedoras canciones de la historia de Los Planetas. Arnau Sabaté

Crítiques del mes de febrer

Totes aquestes crítiques apareixeran el mes que ve a la revista Go Mag. Cal dir que realment no m'ha agradat cap dels tres discos. Tot i que el de Lucky Elephants i el de The Black Box Revelations encara es salven...

Downpilot
The Kind Of Sine

Americana. Paul Hiraga, alma mater de Downpilot, y responsable, en buena parte, del carácter del grupo, demuestra ser especialmente minucioso con todo aquello que implica la autoproducción de un disco. Movió fichas a su antojo para crear el disco que él quería. El que mejor reflejaba, a imagen y semejanza, aquello que le gusta, la música que ha escuchado siempre. Por eso lo grabó en su home estudio, prescindiendo de manos ajenas que pudieran haber influido en el resultado final de su tercer disco de estudio. “The Kind Of Shine” es un disco relajado y intimista, que encuentra su sitio en las bases dictadas por la Americana y el Sunshine-Pop de toda la vida, y al que Hiraga le tiene tanta devoción. Este crossover tiene como resultado un producto donde el predominio de instrumentos como el banjo y la steel-guitar son especialmente relevantes para poner de manifiesto esa predilección por el sonido buscado y que él pretende que sea tan encasillado. Bajo el punto de vista de un servidor, “The Kind Of Shine” es un disco que no aporta ningún valor añadido especial, ni excesivamente relevante. Sin embargo hay que reconocer que va a gustar a los que coleccionen discos de Jayhawks y Walkabouts, porque Paul tiene una forma muy especial de hacer las cosas. Arnau Sabaté

Lucky Elephant Starsign Trampolin

Experimenta-pop. Aunque con un poco de retraso, llega a nuestras manos el disco debut de ésta, más o menos, desapercebida banda inglesa, dueña de un sonido poco heredero de la típica influencia británica, aunque mucho más enfocada a sentar las bases del pop de nueva ola en el Reino Unido. Un estilo que actualmente tiene la sede en el continente norteamericano, por el montón de bandas innovadoras que sorprenden desde allí. Lucky Elephant no tienen una influencia especialmente destacable que les encasille dentro de ninguna escena. Por esa razón, su música tiene un caracter propio curioso que le concede un especial toque de gracia por el cual les hemos pillado cierto cariño. Sobretodo por “Lucky Elephan”, la pieza instro-cinematográfica que abre paso a un popurrí estilístico ámplio donde tienen cabida géneros que poco tienen que ver entre sí. “Edgar”, en segundo lugar, quizás se establece como el hit del disco por esos punteados tropicales que reiteradamente son utilizados como recurso habitual por los grupos de nueva ola. A partir de entonces el disco toma un aire melancólico que cruza misticismo en la pieza electrónica del disco, bautizada como “Modern Light Changing People”, con cierto regusto indietrónico. El resto del disco fluye sin pena ni gloria, igual de irregular y sin una línea estética aparente, aunque resulton. Arnau Sabaté




The Black Box Revelation Silver Threats

Blues-Rock. Es fácil pillarle cariño a The Black Box Revelation si de joven has escuchando rocanroleces de la talla de Buckcherry, Hellacopters o The Backyard Babies, porqué seguramente éstas son las bandas con las que más rapidamente estableces afinidades. Después de la segunda escucha, descubres que el disco tiene ese toque blusero que al rock’n’roll de chico malo del instituto le gusta tanto (Escúchese “Run Wild” como máximo respresentante de este argumento). Aunque también te das cuenta que el disco contiene hits menos agresivos y con un corte mucho más intimista que roza la épica cuando escuchas “Our Time Has Changed For Years Now” y te imaginas una sudada muchedumbre coreando emocionados los dotes líricos del cantante que tanto valoran. Con una producción que apunta, en algunos momentos, al Lo-Fi, The Black Box Revelation se disponen a trabajar tal como lo hicieron el referente en formato duo de rock’n’roll contemporáneo, The White Stripes. Con una formación igual de reducida que ellos, estos Belgas convinan agresividad, visión poco ortodoxa y un cierto gusto hacia lo experimental. Deliberando finalmente, después de varias escuchas, uno puede llegar a la conclusión que éste no va a ser, sin ninguna duda, el disco del año. Arnau Sabaté

Entrevista a Tortoise....

Tortoise.
Post-Rock? Next Question, please



Tras dos discos, uno de rarezas (A Lazarus Taxon), y uno compartido con Bonnie ‘Prince’ Billy (The Brave and The Bold), el nuevo material de Tortoise resume, en 43 minutos y 39 segundos, una enciclopedia de estilos. Con referencias constantes a la vanguardia, mezclan, sin salir de contexto, techno, punk, noise, spaghetti western y electrónica. Como siempre, garantía Tortoise.

Beacons of ancestorship es el sexto trabajo de Tortoise, el primero en solitario tras 5 años, ‘Llevábamos trabajando en este álbum, al menos des de hace tres años pero las ideas no venían. Al principio intentábamos grabar el álbum en el estudio, todos juntos, pero la cosa no funcionó’. Herndon comenta que fue necesario un break. Entonces replantearon el trabajo, cada uno des de su casa, ‘Se trata de un álbum donde todo el mundo ha añadido sus propias ideas, pero definitivamente no se trata de un disco de estudio’. Las críticas alaban el disco, incluso John, más adelante, asegura estar muy contento con el resultado global del disco. Parece que no ocurrió lo mismo con All Around You, su último trabajo, que algunos definieron como poco enfocado, ‘A mi personamlemente All Around You es un disco que me gusta. Mucha gente dice que con este álbum hemos redescubierto nuestro sonido. No pienso que eso sea cierto. Simplemente se trata de una evolución’. High Class Slim Came Flotin’ in es la canción que abre el disco, y John me pregunta si me gusta. Yo le respondo que es una de mis favoritas. ‘Te parecerá estúpido, pero para mi esta canción es como una cúpula donde convergen todos los puntos. Supongo que por eso la pusimos la primera’. Por el tono de palabra que utiliza Herndon, intuyo que no ha quedado muy satisfecho con la canción, ‘Sí, sí me gusta, pero me gusta el álbum escuchado entero. Hacía tiempo que un disco de Tortoise no me enamoraba tanto’. Cuando la confianza ya parecía ser extrema, y creíamos haber borrado la frontera entre entrevistador y entrevistado, le propuse arriesgarse. ¿Cuál son tus canciones favoritas? Creo que mi canción favorita es la del título en chino, Yinxianghechengqi, pero también me gusta Charteroak Foundation y Prepare Your Coffin. ¿Piensas que es un disco conceptual? No hay un concepto global. Sin embargo, si es verdad que hay canciones escritas bajo un concepto concreto. Definitivamente, creo que este álbum es una reflexión de cómo vestimos nuestras influencias. El título Beacons Of Ancestorship hace referencia a la huella que han dejado otros, en el pasado, y creo que eso se nota en todas las canciones.’ El disco es pura esencia Tortoise. Tal como Herndon indicaba, hay muchísimos estilos que la banda mezcla con un objetivo global. Hay rock progresivo, detalles de dub, electrónica, e incluso alguna parrafada techno que roza lo ravero. Este gamberrismo y visceralidad se hace evidente en temas como Yinxianghechengqi y Northen Something. Sin embargo, el álbum, en su parte final, incluye cortes que recuerdan al paisajismo de Ennio Moriconne (The Fall Of Seven Diamonds Plus One), según Herndon, éste artista ha dejado huella en la banda, ‘El responsable de esto es Doug Mc Combs –bajista-. Sin duda, éstas son sus raíces, y son sobre las que caminamos’. Inspirado por la escuela avant-garde de los setenta (Can, Soft Machine..), a menudo Mc Combs es citado como punto de referencia del sonido Tortoise. Ésta aclaración parece encontrar cierta disonancia con lo que afirma Herndon, a continuación, ‘Beacons Of Ancestorship es un disco de synth-pop camuflado entre tanto rock instrumental’. Entonces, ¿Os seguís sintiendo cómodos con la etiqueta post-rock? ‘Next question, please’. Esta sencilla respuesta, cargada de contenido, marca el punto de inflexión de la entrevista y encara su parte final, en la que hablamos de planes de futuro, ‘De momento estamos muy ocupados representando en directo el nuevo material. Creo que ahora mismo es momento de pensar en esto y no en editar nuevo material, quizás en unos meses si, y me gustaría que lo próximo fuera material compartido. Estamos abiertos a colaboraciones…’. ¿Y respecto bandas nuevas? ¿Cuál es vuestra última gran sorpresa? Earthless, de California, tocamos con ellos en L.A., son 3 componentes, guitarra, bajo y batería. Tienen dos trabajos editados en vinilo, recomiendo que busquen algo suyo en YouTube por que les va a sorprender. En los conciertos acostumbran a tocar una sola canción de 40-50 minutos. Sus directos son pura psicodelia!


(Entrevista apareguda a l'edició de Setembre de Go Mag)

A continuació us deixo amb un dels vídeos de Earthless, que en John tant efusivament em va recomanar...Sens dubte, molt millor que el seu disc...

Anímic, música de bosc

L'altre dia al Mai a la Vida mentres entrevistàvem a Aspet Weekend, l'Iñaki, que no havia dit res en tota l'entrevista, va saltar amb una intervenció molt interessant en la que responia a una pregunta que li havíem fet, l'Eduard i jo a la Laia i a l'Eva, en referència a les seves influències musicals. Les dues noies nomès responien grups estrangers típics, però l'Iñaki va afegir que ell notava que el grup estava fortament influenciat per la cançó catalana. Cal aclarir aquesta intervenció. Jo sempre dic que la música feta a Catalunya té un component autòcton en tots els grups. La majoria de les bandes s'influeixen d'una esència que, en molts casos, ve del cançoner tradicional. En el cas dels Anímic això és un fet evident. La seva música inspira tradició, esència natural. Sembla música feta al mig del bosc -de fet, s'hi fa-. El que més m'agrada és el que comento a la crítica de sota, que els temes cantats en català tenen una atmosfera teatral dramàtica. Al escoltar cançons com Marbre i Or, La Mort i El Riu, La Cabanya i, sobretot, el Curandero, que és una adaptació d'una cançó del besavi del baixista datada de finals del Sg XIX, la meva ment es teletransporta a una altra dimensió. Al tancar els ulls em trobo rodejat d'un context fantàstic -relatiu a fantasia- on els coros místics em situen al bell mig d'una rondalla o un conte popular.



Anímic
Himalaya


Folk Escénico. Entender que el Himalaya es para los monjes budistas, lo que la sierra de Montserrat es para los siete componentes de Anímic puede ayudar a entender mejor el significado de un álbum compuesto en comunidad, bajo un mismo techo, en una casa de Collbató. El pueblo donde comparten casa los miembros de Anímic yace rodeado en un entorno rural y medio montañoso. Este hecho es el que incita la creatividad que alimenta la extensa discografía del grupo, que para Himalaya han decidido enfocar hacia una vertiente más literaria. Los doce temas pueden interpretarse como historias que reciben una contextualización musical de acuerdo con el contenido lírico. Escrito, casi a partes iguales, en catalán e inglés, los compuestos en esta última lengua inglés inspiran una jugosa combinación de folk onírico y paisajismo cinematográfico. La fuerza la tienen instrumentos pero los detalles los aportan los aparatos electrónicos. Los escritos en catalán se ambientan en una atmosfera teatral dramática, reforzada por la fuerza de los coros épicos de canciones como El Curandero. La excepción que marca la regla se encuentra en temas como Les Fulles Fan Ocell, de corte crepuscular i optimista, i Àcid Nítric, tema que remite al nuevo folk de la escuela de bandas como Akron /Family. Arnau Sabaté





(Crítica per Go Mag que apareixerà al proper número de Juliol-Agost de 2008. Els Anímic estaran en versió reduïda tocant A Viva Veu el proper 16 de Juliol)

El resultat d'una suma de moments és In The Middle Of Somewhere

Aquesta crítica la vaig fer per Go Mag. Aprofitant que demà els entrevistem al Mai a la Vida, recupero el disc, la crítica i les bones sensacions que aquest transmet a bona entrada de l'estiu. La qüestió és que aquest disc inspira frescura, no només per la seva música, sinó perque els seus autors són sinònims de rigurosa actualitat. En la propera edició del Sónar 2009, concretament el 19 de Juny a les instal·lacions de SonarComplex, a les 17'30, els seus autors en presentaran una actuació molt curiosa. A més de Suma, Frank Rudow actuarà sota el pseudònim de Colch-ón. Projecte d'electrònica glitch manipulada en directe i creada en base de loops i samplers que ell mateix tira, equalitza i trasteja 'in situ', tal i com ell defineix al seu myspace. Molt interessant, més encara després que últimament m'he aficionat al so de grups com Ben Frost i Christian Fennesz.

Destacar aquí, la feina que fan segells discogràfics com Fohen Records. Editen sense embuts projectes molt interessants i que d'altra banda quedarien perduts en l'oblid tant de música experimental, com d'electrònica, folk o pop intimista. Gràcies a aquest segell he descobert projectes com Emilio José, ex-Apeiron, un freak que va gravar un disc com si del Labordeta es tractés. Anys enrere, va recorrer el país amb una guitarra tocant pels pobles més petits. Ara ha edtat Chorando Apréndese, un disc del qual ja en parlaré.

Suma
In The Middle Of Somewhere

Me gusta mucho el juego de palabras que establece la breve reseña biográfica con el significado del nombre de la banda. El que fue miembro de Manta Ray, Frank Rudow y Laura Clarck, ambos actualmente afincados en Barcelona, han creado un proyecto conjunto. Para ellos Suma, es una suma de diferentes personas, momentos, lugares y estados de ánimo. En referencia a las personas, en In The Middle Of Somewhere, Laura y Frank llevan la batuta de los instrumentos. La voz, junto al piano, corre a cargo de la parte femenina, mientras que Frank se encarga del resto. Toca la guitarra, el bajo y la batería. El sonido de Suma establece sus bases en el folk contemporáneo y, el producto, se teje en base a detalles. Éstos, aportados en buena parte, por la suma de doce colaboraciones. Se trata, principalmente de vientos y otros arreglos acústicos. Aunque la experiencia de los autores haya hecho que el disco no requiera de producción externa, la mezcla la hizo Paco Loco y, como es habitual, también acabó poniendo su granito de arena, en este caso en forma de steel guitar. Así como el disco es una suma de personas, también hemos dicho que los es de momentos, lugares y estados de ánimo. Respondiendo a los dos primeros, la justificación la encontramos en que el disco se grabó durante el Marzo de 2007 y Agosto de 2008, en 8 destinos distintos. A pesar de este ajetreo, el disco mantiene la calma y la atmósfera crepuscular. Como detalle culminante, citar que el diseño del digipack corre a cargo de Tara Jane O’neal, otra diva del post-folk. Arnau Sabaté

Entrevista a Los Coronas

Estic molt content per que aquest mes de Maig ha sortit, per primer cop, una referència meva al Go Mag. Es tracta d'un grup que es diuen Los Coronas, són de Madrid i tenen una web que fa pena. De totes maneres han tret un disc genial, i en directe són la bomba, ja en vaig parlar en alguna ocasió aquí. Fernando em va tenir al telèfon més de 20 minuts amb una trucada que he acabat pagat jo...



El Baile Final es el sexto disco de Los Coronas. En él, han conseguido crear un estilo crossover entre ritmos de tango, paso doble y rumba, con el Rock’n’Roll de raíz y influencias cinematográficas. ‘Nuestra visión es la que tiene más en cuenta la raíz latina original. En vez de tirar por caminos del rock más recorridos, decidimos una clara influencia spaguetti western, de paso doble…’. Fernando Pardo respondió por teléfono a mis preguntas, durante más de veinte minutos, y a escasas horas del viaje a Austin, Texas, donde tocarían en el famoso festival SXSW, ‘Es la primera vez que tocamos en EEUU, pero contacto ya teníamos. Hemos editado algunas canciones en varios recopilatorios. Ahora mismo hay un par de compañías americanas interesadas en sacarnos el disco’. El Baile Final entrará en mercado Estadounidense gracias a Wicked Cool Records, sello regentado por Steve Van Zandt. Según Fernando, el sonido de Los Coronas es el más exótico de los grupos españoles que van a tocar en el festival. En este disco, convierten algo casposo y anti-cool, en una música original, que no pierde autenticidad, y conserva el espíritu arrollador del rock, ‘Históricamente había sido la cultura pop, la que mandaba las directrices estéticas de la subcultura Indie. Actualmente, estamos viviendo algo parecido pero enfocado hacia el Rock’n’Roll. El indie reinterpreta, en todas sus vertientes, la cultura de los 60’s i 70’s desde un punto de vista más solemne. Desde el Rock’n’Roll, en cambio, buscamos un enfoque más freak, más festivo’.
En un punto de la conversación Fernando, propone imaginar un grupo de Namibie (África) tocando Blues, donde este estilo encuentra su raíz. La música surf encuentra su origen en la música latina e hispana. Desde este punto de vista, entendemos por que Los Coronas reinterpretan un género tan ortodoxo como el Surf, que sigue copiando las directrices que mandaban cincuenta años atrás, ‘Empezamos cuando no había escena y de un plan muy purista, tocando lo que hacían Dick Dale o los Surfaris, ahora le damos al estilo, nuestra propia voz. Buscamos señas de identidad, que nos diferencien. Hace tiempo éramos pocos los grupos surferos. Actualmente la escena ha crecido a lo bestia’. Por eso se fijan en estilos como el Tango, el paso doble o las bandas sonoras que musicaron películas de cine negro o spaghetti western, para encontrar nuevos horizontes con los que romper la monotonía del estilo. ‘La clave, es buscar cual es tu hueco y encajar de forma natural. No forzarlo demasiado…’. El último Baile, es un disco que incorpora vientos como algo excepcional en este estilo. En el Rock primitivo, es frecuente el uso de saxos, pero en este disco suenan trompetas, ‘Buscábamos que las canciones sonaran a bolero viejo y, en este disco nos lo hemos permitido’. El uso de este instrumento, aunque admite que puede sonar kitch, consigue retroalimentar sus influencias puramente cinematográficas, ‘Las trompetas de este disco suenan exactamente igual que las de Dimitri Tiompkin en Solo Ante El Peligro o El Álamo’. De hecho, incluso el título del disco es una referencia cinematográfica a Luís Buñuel, ‘tiene que ver con la escena final de Simón del Desierto, donde sale una banda surfera tocando’.

Crítiques del mes d'Abril

A continuació les crítiques del mes d'Abril que he escrit per Mondo Sonoro, H mag i, per primer cop a la meva vida, a Go Magazine (veure Rubinoos)

O+S
‘O+S’
Saddle Creek Rcds.

O+S es el curioso nombre de un grupo hasta la fecha desconocido por nuestras tierras. Provienen de Birmingham, pero lo curioso del caso es que no se trata del Birmingham del Reino Unido, sino de otra población de Estados Unidos, en Alabama. El proyecto nace de la idea original de Orenda Fink y Cedrik LeMoyne, ambos con otros proyectos musicales paralelos, al cual más tarde se unió Michael Patterson (Beck, Black Rebel Motorcycle Clu), quien produjo el disco. Aunque no hayan sido muy originales escogiendo el nombre de su primer disco, que han titulado igual que a la banda, si que han acertado musicalmente. O+S es un bullicio de creatividad y detalles paisajísticos con los que incluso llegan a rozar estilos como el shoegaze. Lo más fácil sería catalogar su música como pop ambiental, pero eso no sería justo ya que sumergirse en su disco implica impregnarse de ritmos electrónicos poco estridentes, voces tenues, melodías suaves e incluso algunos samplers que tiran en forma de loop para decorar el resultado.



The Horrors
Primary Colours

El single, Sea Within A Sea, fue el primer adelanto de Primary Colours, el segundo largo de esta banda inglesa que se peina como Robert Smith y calza zapatos de plataforma estilo Frankestein, uno de los mitos de la estética gotico-siniestra que tanto admiran. El single, de casi 8 minutos, adapta con elegancia el sonido que antaño popularizaron bandas de la New Wave inglesa, llegando casi a borrar la frontera generacional que separa estos jóvenes de Southend con sus mitos del pasado. El resto del disco no tiene nada que envidiar a este tema. De hecho canciones como Scarlet Fields o la mismísima Mirror’s Image que abre el disco, harían callar a todos aquellos detractores de revistas mainstream inglesas que tanto ayudaron a promocionar este grupo en sus inicios. Mientras bandas como Interpol se han ido descarrilando de la esencia del estilo. The Horrors hacen lo contrario, dan la vuelta a la tuerca que les acerca a Jesus and Mary Chain y les distancia de grupos quinceañeros.

The Von Bondies
Love, Hate and Then There’s You

2/5

The Von Bondies son de la opinión que ser Indie es sinónimo de persona con afinidad para la música complicada especial para momentos de melancolía. Jason, Don, Lean y Christy son jóvenes rebeldes que visten camisas blancas con corbatas negras estrechas y chupas de cuero, calzan deportivas, empuñan guitarras y hacen bailar salas de conciertos enteras a golpe de estribillos facilotes y ritmos puramente bailables. Con Love, Hate and Then There’s You firman su tercer album de estudio y se reafirman en la condición de estrellas para un público principalmente juvenil. En un disco en el que ni tan solo el título rebosa de creatividad, los de Detroit firman el contrato que permite a todos aquellos que hablan de música habitualmente, situar la banda en el mismo saco que otros grupos de post-punk de nueva ola. Riffs de guitarra rockeros, ritmos marcadamente acelerados y que juntamente a letras rebeldes de títulos tan sugerentes como Shout Your Mouth o I Don’t Wanna permiten crear coros épicos y divertidos de tararear en directo. No pienso que haya ningún tema con unas cualidades estrictamente diferenciales que permita crear un clímax en este disco, simplemente discurre en un mismo plano. En muchas ocasiones se las ha visto taloneando grupos grandes como Franz Ferdinan, Kasabian o The Killers. Si continúan a este paso, difícilmente podrán acceder al siguiente, el que les permita ser taloneados en vez de telonear.



Tetsuo
La ciudad de las Nubes

3/5

Detrás de cada canción hay una historia y detrás de cada historia un esfuerzo. Esta es la carta de presentación que Jordi, Rafa y Pedro, componentes de Tetsuo, adjuntan en el libreto que acompaña su nuevo disco, La Ciudad de las Nubes, un álbum que sirve la sinceridad en plato frío y que llama la atención por fundamentar cada tema con algún tipo de existencialismo. Justifican el disco como un conjunto de historias que pasaron a la banda durante el verano de 2007 y a través del cual posibilitaron que pudiera llegarse a componer un álbum, que casi podría definirse como conceptual. La apertura de un blog en Internet, que encontraréis fácilmente tecleando en Google el título del disco, ha servido a la banda para acabar de perfilar el significado total del disco. El blog sirve de puntal para que todos aquellos interesados en descubrir la esencia y el significado que empujó la banda a componer cada tema. Musicalmente, La Ciudad de las Nubes es un disco que texturiza las historias y con la ayuda del hilo conductor, que sirve como guión, se pasa de fríos riffs de guitarra a energéticos cambios de ritmo, parones, voces que rozan el screamo y momentos instrumentales memorables.



El Petit del Cal Eril!
I Les Sargantanes Al Sol
Bankrobber
4/5

Las influencias del weird-folk anglosajón están empezando a arraigar fuertemente en nuestro país de una manera ciertamente curiosa. Se mantienen las formas y se mezclan con elementos autóctonos de la tierra. Joan Pons, viene de Guissona, un pueblo de la provincia de Lleida que puede que les sea familiar por cuestiones extramusicales y, donde el paisaje, el ritmo de vida cotidiano y la familia ha sido lo que, en buena parte, han inspirado la música de El Petit del Cal Eril des de su primera maqueta hasta I Les Sargantanes Al Sol, su primer largo. Joan es técnico de sonido de profesión, escusa que le ha permitido crear un disco a medida de sus posibilidades. Aunque pudiérase definir como un disco casero, el sonido no le delata. La meticulosidad con la que la banda cuida los detalles, hacen de éste, un disco con constantes referencias al contexto que inspiró la creación del mismo. Las letras dibujan escenas típicas de la vida en un pueblo, así como te permiten cerrar los ojos y oler a tierra mojada o a fruta fresca. Discurriendo pausadamente, tras una breve intro y el sonido de unas campanas, el disco empieza oficialmente en el minuto y medio de la segunda canción. Instrumentos tradicionales se mezclan con sutilezas electrónicas, guiños a antiguas canciones folklóricas y coros infantiles.

The Rubinoos
HodgePodge

Batiburrillo es la definición que aparece en un diccionario inglés-español cualquiera cuando alguien busca el significado de la palabra anglófila HodgePodge, que además de significar colección heterogénea, es el título elegido por la legendaria banda norteamericana The Rubinoos para titular su último trabajo, que en España edita WildPunk Records. The Rubinoos son un grupo de California surgido unos años después que la que la British Invasion hiciera tambalear los intereses de la música popular norteamericana. Tocando a la sombra de los grandes, fueron conocidos abanderados del género powerpop y sucumbieron durante los 70’s con magníficas construcciones pop que nada tenían que envidiar a los estribillos pegadizos de bandas como Los Beatles o The Hollies. El esmero en las armonías vocales que se aprecia en muchos temas incluso puede acercarles a la magnificencia sonora de sus paisanos Beach Boys. Lo anteriormente comentado, en referencia al batiburrillo, hace referencia a la estrecha relación que existe entre el título del disco y el material que éste recoge. En su mayoría rarezas grabadas en distintas épocas de la banda, que hasta el momento solo habían sido editadas en Japón, junto a versiones de artistas como The Raspberries (Cruisin' Music) o Frank Zappa ("Absolutely Free").